Il Romanticismo artistico

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infatti si dice che il brutto, spesso, emoziona di più. ♡BB I CONTENUTI DELLA POETICA ROMANTICA Il Romanticismo non è, a differenza del Neoclassicismo, uno stile, in quanto non si fonda su principi formali precisi; esso può essere, invece, considerato una poetica in quanto, più che alla somiglianza dello stile, tende alla somiglianza dei contenuti. I contenuti della poetica romantica si possono dividere in quattro categorie: 1. l'armonia dell'uomo nella natura; 2. il sentimento della ragione; 3. la rivalutazione dei caratteri nazionali dei popoli; 4. lo storicismo: il riferimento alle storie del Medioevo. ♡BB 1) L'ARMONIA DELL'UOMO NELLA NATURA Per i romantici esiste una verità più profonda di quella che si può indagare con la scienza, e si può raggiungere non con il metodo o lo studio, ma con l'intuizione e la sensibilità. La natura è il luogo in cui l'anima può dare sfogo alla propria malinconia e mette l'individuo in contatto con una dimensione superiore che non può essere percepita con l'aiuto della ragione, ma solo abbandonandosi con i sensi e la fantasia. IL SUBLIME Il concetto di sublime, che è un concetto estetico ed etico, nato nell'antichità classica, tratta proprio del rapporto tra uomo e natura e torna ad essere oggetto di discussioni nelle teorie dell'arte del Settecento e dell'Ottocento. Il filosofo Kant sostiene che il sublime è un oggetto della natura, che concepisce l'irraggiungibilità dei limiti della natura come una rappresentazione delle idee appartenenti alla ragione. ♡B SUBLIME MATEMATICO E DINAMICO • SUBLIME MATEMATICO: Per sublime matematico si intende ciò che è assolutamente grande, al di là da ogni comparazione, come ad esempio l'immensità dei cieli. Il più importante esponente in cui ritrae il sublime matematico è Friedrich. SUBLIME DINAMICO: Il sublime dinamico, invece, è rappresentato dalla potenza della natura, come ad esempio un mare in tempesta. In Inghilterra due pittori, John Constable e William Turner, furono i grandi rappresentanti della pittura paesaggistica romantica inglese, sviluppando il tema del sublime dinamico. Nei dipinti dei due pittori, la figura umana, a differenza di Friedrich, non compare quasi mai. ♡BB Caspar David Friedrich BIOGRAFIA Caspar David Friedrich nasce nel 1774 a Greifswald (Regione al confine fra Germania e Polonia), in una famiglia umile e con poche risorse economiche segnata da diversi lutti, come la morte del padre, della madre e del fratello, che influenzeranno tutta la vita dell' artista. Sarà l'architetto Quistorp ad indirizzarlo alla carriera artistica frequentando, nel 1794, l'Accademia di Belle Arti di Copenhagen, dove ebbe degli insegnanti appartenenti al movimento dello "Sturm Und Drang" (movimento del Preromanticismo). Nel 1798 si trasferisce a Dresda; qui compie i suoi primi lavori che sono dei disegni realizzati con la tecnica dell'acquerello e a seppia (matita sanguigna, così chiamata per il suo colore rosso scuro tendente alla terra bruciata) passando solo nel 1807 alla tecnica dei colori ad olio. Il suo temperamento lo porterà a recarsi spesso nella città natale, malgrado Desdra rimarrà il luogo principale dove vivere. Nel 1810 divenne membro dell' Accademia di Berlino e dell'Accademia Sassone. ♡BB Il matrimonio che fece con una donna di umili origini, influenzò la sua pittura dove divenne sempre più solita la presenza della figura umana. Questo fece diminuire le committenze che portarono il pittore in situazioni di difficoltà economiche e crisi d'ispirazione. Dopo un periodo di povertà e di depressione che compromette la sua salute mentale muore il 7 Maggio del 1840 a Desdra. ♡BB LE SUE OPERE Friedrich, nelle sue opere, sviluppa il tema del sublime matematico; egli è l'interprete di quel romanticismo che tende verso l'infinito. In Friedrich il sublime lo manifesta proiettando il proprio sentimento e le proprie visioni più segrete, all'interno di uno scenario naturale. I personaggi di Friedrich danno sempre le spalle all'osservatore, guardano da dentro il quadro quello che lui stesso vede al di fuori; in questo modo è possibile condividere il suo punto di vista e lo stato d'animo. L'esempio più famoso si ritrova nell'opera "Il Viandante Sul Mare Di Nebbia". Altro elemento molto importante nelle sue opere consiste nel lasciare un margine di mistero in cui l'osservatore non riesce a penetrare e, inoltre, da non sottovalutare è anche la componente religiosa, infatti, secondo Friedrich, la natura parla in maniera misteriosa il linguaggio di Dio. ♡BB IL VIANDANTE SUL MARE DI NEBBIA In quest'opera, un viaggiatore ammira il panorama mozzafiato sull'orlo di un precipizio roccioso; la nebbia inghiotte le montagne proprio come se fosse un mare. Oltre al vento, le nuvole e la nebbia danno un profondo senso di movimento come se quel mare di nebbia fosse in continua agitazione. I colori sono di grande effetto e creano un forte stacco tra l'uomo, caratterizzato da tinte scure, e lo sfondo, caratterizzato invece da tinte chiare. Pur non vedendo il volto del viandante, possiamo immaginare la meraviglia e il tormento causati da uno spettacolo tanto particolare e coinvolgente. Il quadro è un esaltazione della solitudine dell'individuo, infatti nessuno disturba la quiete del dipinto popolato soltanto dal protagonista che, da solo, ammira il mare di nebbia estraniato dal mondo, come se fosse l'unico ad abitarlo. ♡BB VIANDANTE SUL MARE DI NEBBIA (ANALISI DELL'OPERA) Soggetto: viandante sul mare di nebbia; Autore e committente: Caspar David Friedrich; Misure: 95 x 75 cm; Collocazione: Hamburger Kunsthalle, Amburgo; Tecnica: olio su tela; Datazione ed epoca: 1818, Romanticismo. Linee: le linee di forza sono date dallo sfondo; rette spezzate chiuse (rocce); rette spezzate (montagne nello sfondo); curva chiusa (capo); retta verticale (viandante); retta spezzata (gamba e braccio del viandante); retta obliqua (roccia); retta obliqua (nebbia); Colore: il colore del paesaggio montano, ingrigiti dalla prospettiva aerea della natura, si fondano con i colori del cielo riflessi nella nebbia in basso. Colori chiari e brillanti sono distribuiti nel cielo e nella nebbia. Blu, rosa, gialli molto chiari si mescolano e intensificano il grigio perla dei vapori che si innalzano verso il cielo; VIANDANTE SUL MARE DI NEBBIA (ANALISI DELL'OPERA) Spazio: esterno; Movimento: dinamismo della nebbia e del viandante; Luce: dal basso; Effetti plastici: le immagini risaltano il loro volume; Figure: intera, di spalle; Elementi decorativi: particolari raffinati. Valore: storico, allegorico; Fini: ammirazione; Significato: è considerato il manifesto della pittura romantica tedesca. Il viandante è sventurato, senza patria, che è arreso al mondo e al suo destino e si avventura verso il suo futuro drammatico. Rappresenta l'imperfezione e l'inferiorità dell'essere umano di fronte alla maestosità e alla grandezza della natura. Nel contemplare l'infinito e l'indefinito paesaggio, si nascondono simboli religiosi e misteriosi. John Constable BIOGRAFIA E OPERE John Constable nasce l'11 giugno 1776 nel Suffolk. L’amore per il paesaggio del Suffolk sviluppa in lui il desiderio di dipingere. A 23 anni si trasferisce a Londra e si iscrive alla Royal Academy, dove approfondisce lo studio della pittura di paesaggio. Constable cerca la semplicità, e predilige l'osservazione diretta della natura. Esegue schizzi e studi all'aria aperta, trascrivendo le sue impressioni visive. Poi, sulla base degli schizzi, dipinge il quadro finito in studio. Usa colori brillanti, che riproducono gli effetti di luce. Ma la ricerca dell'artista inglese non si limita a riprodurre le apparenze. Come i primi poeti romantici, anche Constable sembra voler catturare l'anima della natura. ♡BB Nei primi anni '20, Constable realizza una serie di studi del cielo. Su ogni schizzo, annota con precisione l'ora della giornata e le condizioni atmosferiche del momento in cui ha dipinto l'immagine. L'attenzione al cielo caratterizza infatti molti dei suoi paesaggi. Tra i più celebri, in questo senso, Il carro del fieno. Alla fine degli anni '20 i suoi paesaggi, normalmente quieti e sereni, mostrano un'intensa componente drammatica. Nelle opere di questa fase si riflette il dolore dell'artista per la morte della moglie, alla quale era legato fin dall'adolescenza. Eletto membro della Royal Academy, negli anni '30 tiene lezioni e conferenze sulla pittura di paesaggio. Constable muore a Londra il 31 marzo 1837 mentre lavora alla sua ultima opera. ♡BB IL CARRO DI FIENO (ANALISI DELL'OPERA) Soggetto: il carro di fieno; Autore e committente: John Constable; Misure: 1,3m x 1,85m; Collocazione: National Gallery di Londra; Tecnica: olio su tela; Datazione ed epoca: 1821, Romanticismo. Linee: linea orizzontale (carro), curva chiusa (ruota), obliqua (alberi), curve chiuse (nuvole), curva (ansa del ruscello); Colore: al centro, l'acqua riflette il verde della vegetazione. Tutta la massa verde e bruna del paesaggio è equilibrata, in alto, dal cielo pieno di nuvole. Si intravede dell'azzurro tra il bianco grigio delle nubi. La luce del carro di fieno è naturale e riflessa dalle grandi nubi bianche. Queste, infatti, agiscono come potenti riflettori e distribuiscono luce bianca sulla scena; Spazio: il paesaggio risulta ampio e disteso; Movimento: dinamico, assecondato dal prato illuminato. Gli ammassi nuvolosi sembrano procedere da sinistra a destra. IL CARRO DI FIENO (ANALISI DELL'OPERA) Questo movimento produce una certa partecipazione emotiva dell'osservatore; infatti, sembra percepire il vento e l'atmosfera fresca ma carica di tensione, che anticipa un temporale estivo; Luce: la luce è naturale e riflessa dalle grandi nubi bianchi. Queste, infatti, agiscono come potenti riflettori e distribuiscono luce bianca sulla scena. Significato: mentre un contadino conduce un carro, il clima cambia. Arriva un temporale a interrompere la tranquillità della natura e del lavoro umano. Il carro di fieno rappresenta una porzione della campagna inglese abitata. Il soggetto è posto al centro ma è sempre il cielo ad essere realizzato con particolare attenzione. William Turner BIOGRAFIA William Turner nacque a Londra il 23 aprile 1775. In seguito alla morte della sorella minore, seguita da sempre più evidenti disturbi mentali della madre, nel 1785 Turner viene mandato da uno zio a Brentford, che all'epoca era una piccola cittadina a ovest di Londra, e l'anno dopo frequenta la scuola a Margate, nel Kent. Entrambe le cittadine sono sul Tamigi, cosa che risveglia nel ragazzo l'interesse per la pittura, scoprendo per caso il suo talento artistico naturale. Da quel momento Turner disegna e dipinge piccole opere che suo padre espone nella vetrina del suo negozio di barbiere. Viene ammesso alla Royal Academy a soli 15 anni. All'inizio del 1800, è già famoso, viaggia in Francia e in Svizzera, sempre riprendendo paesaggi e sosta alcuni mesi a Parigi per studiare i dipinti esposti al Louvre, attratto dall'estetica del sublime e del pittoresco. ♡BB Nel 1819, Turner compie un lungo viaggio in Italia. Visita Venezia, Roma e Napoli, rimanendo folgorato dalla luce mediterranea, che imprime al suo stile la svolta decisiva che si distingue in modo particolare in alcune vedute di Venezia, dove luce e colori sono i veri protagonisti. Una decina di anni dopo durante un viaggio a Roma i suoi quadri si arricchiscono di scene storiche, mitologiche e di genere. Nel 1836, assieme a un suo amico, torna in Val d'Aosta per rivedere le Alpi e il Monte Bianco, che tanto lo avevano affascinato in un precedente soggiorno. Qui realizza numerosi disegni a matita e acquerello che sono raccolti in due taccuini. Col passare degli anni, Joseph Turner diventa piuttosto eccentrico, ha pochi amici intimi, ed è soggetto ad attacchi di depressione, anche se continua a lavorare. Il pittore muore nella sua casa a Chelsea il 19 dicembre 1851. ♡BB LE SUE OPERE In Turner, confluiscono gli impeti dello "Sturm Und Drang" nel suo bisogno di ritorno alla natura. Il sublime cambia significato in Turner, infatti lo si prova assistendo ai grandi fenomeni del mondo esterno, quali tempeste marine violenti, grandi nevicate o incendi. I quadri di Turner spesso colgono la natura nella sua fenomenologia più violenta; sono eventi che suscitano nell'osservatore un piacere carico di disorientamento e paura. Vi sono delle pitture di Turner, però, che esaltano il sentimento di armonia tra l'uomo e la natura, dove questi due elementi si confrontano in un sereno equilibrio e qui si può notare una somiglianza con Friedrich. 1 2 3 ♡BB 4 5 TEMPESTA DI NEVE (ANALISI DELL'OPERA) Soggetto: tempesta di neve; Autore e committente: William Turner; Misure: 91 x 122 cm; Collocazione: Museo Tate Britain di Londra; Tecnica: olio su tela; Datazione ed epoca: 1842, Romanticismo. Linee: linee curve (onde), linee verticali (monoliti), retta obliqua (monolite sinistro); Colore: bianco, giallo, grigio e marrone; Spazio: esterno; Movimento: dinamico; Elementi decorativi: le immagini hanno particolari raffinati; Luce: dall'alto. Valore: celebrativo; Fini: ammirazione; Significato: neve e mari si sommano, si intravede a malapena l'albero della nave, e sembra una composizione astratta. Si dice che forse Turner riportò lì la propria esperienza reale di mare in tempesta, durante la quale si fece legare per 4 ore all'albero di una nave, ma forse ciò è solo una leggenda. Eugene Delacroix BIOGRAFIA E OPERE Eugene Delacroix nasce a Saint-Maurice nel 1798, dotato sin da bambino di una grande preparazione per il disegno e frequenta presto l'ambiente artistico parigino; la morte della madre nel 1814 segna quello che fu un periodo "pausa artistica" che finirà con l'aiuto economico del marchese Talleyrand (molto probabilmente vero padre di Eugene). L'anno seguente riesce ad entrare nell'atelier di Guerin dove apprende le basi sulla tecnica pittorica, ma è l'incontro con Gericault che influenzerà fortemente tutta la sua arte ed il suo stile. Nel 1817 frequenta l'Accademia di Belle Arti di Parigi dove era ancora in voga l'insegnamento dello stile Neoclassico; in questo periodo molto più produttivo sarà l'ingresso in un gruppo formato da giovani pittori che ruotano intorno a Gericault, intenti a staccarsi dalla corrente neoclassica. ♡BB è questo il momento in cui l'Illuminismo giunge al termine e nascono nuove scuole di pensiero come quella del Romanticismo che ha il compito di risollevare l'uomo dal disagio esistenziale. Nonostante Delacroix fosse stato inserito tra gli esponenti romantici, egli si considerava un classico; era un uomo d'ordine eppure si appassiona alla rivolta greca contro i turchi dipingendo "il massacro di Chio", che replicò nel dipinto "la libertà che guida il popolo", ispirato alla rivolta parigina del 1830. Nel 1832, come tanti intellettuali e artisti, Delacroix compie un viaggio in Africa da cui trasse materiale ed ispirazione per il resto della vita. Negli ultimi anni della sua vita, nonostante i suoi problemi di salute, continuerà la sua ricerca espressiva del colore. Muore a Parigi nel 1863. LA LIBERTÀ CHE GUIDA IL POPOLO (ANALISI DELL'OPERA) Soggetto: la libertà che guida il popolo; Autore e committente: Eugene Delacroix; Misure: 260 x 325 cm; Materiale: tela; Collocazione: Museo del Louvre di Parigi; Tecnica: olio su tela; Datazione ed epoca: 1830, Romanticismo. Linee: linee oblique (struttura piramidale che partono dagli angoli della base e si ricongiungono nella bandiera); Colore: scuri e blu, bianco e rosso della bandiera; Spazio: esterno; Figure: intere; Elementi decorativi: cilindro dell'uomo a destra, fumo degli incendi e degli spari, torri gemelle della cattedrale di Notre-Dame, berretto grigio e veste antica della donna che tiene nella mano destra il tricolore e nella mano sinistra il fucile, armi delle altre persone; LA LIBERTÀ CHE GUIDA IL POPOLO (ANALISI DELL'OPERA) Movimento: dinamico; Atteggiamento: ottimista, aggressivo; Luce: da sinistra. Valore: politico; Fini: rivoluzionari; Significato: nel 1829 il re di Francia Carlo X insediò un governo legato ai Gesuiti. Tale governo sciolse il parlamento prima ancora che fosse convocato; sospese la libertà di stampa, modificò il sistema elettorale a proprio vantaggio e indisse nuove elezioni. Dal 22 al 29 luglio 1830 il popolo di Parigi insorse contro queste disposizioni liberalistiche obbligando il re a revocare le ordinanze emesse. Il dipinto rappresenta proprio questa rivolta. Theodore Gericault BIOGRAFIA E OPERE Theodore Gericault nasce il 26 settembre 1791 a Rouen, in Francia, da una famiglia benestante. Studia all'Ecole des Beaux Arts e negli anni della formazione si dedica al rifacimento di capolavori del passato e a studi di cavalli, sua grande passione e soggetto ricorrente nelle sue tele. L'attenzione ai fatti contemporanei unita all'esaltazione dei sentimenti dell'uomo diventerà un tratto tipico della pittura di Gericault. Nel 1816 compie un viaggio di un anno in Italia per studiare lo stile di Michelangelo e Caravaggio. Al ritorno a Parigi, ha un figlio da una relazione clandestina con la moglie di uno zio. ♡BB La sua attenzione alla contemporaneità torna in "La zattera di Medusa", la sua opera più famosa, ispirata al naufragio di una nave francese avvenuto tre anni prima. Gericault compie un lungo viaggio in Gran Bretagna, dove viene celebrato e onorato. Al rientro a Parigi deve affrontare diversi problemi economici dovuti a cattivi investimenti. La vita sregolata e una lesione trascurata alla spina dorsale portano Géricault prima alla paralisi e poi alla morte, a Parigi, nel 1824. ♡BB LA ZATTERA DI MEDUSA (ANALISI DELL'OPERA) Soggetto: la zattera di medusa; Autore e committente: Theodore Gericault; Misure: 491 X 716 cm; Materiale: tela; Collocazione: Museo del Louvre di Parigi; Tecnica: olio su tela; Datazione ed epoca: 1819, Romanticismo. Linee: rette oblique (due strutture piramidali). Il perimetro della prima è costituito dalla base della zattera; la seconda si sviluppa dal gruppo di sagome morte, che formano la base da cui spuntano i sopravvissuti; Colore: non c'è equilibrio cromatico, perché la maggior parte dei colori sono freddi; Spazio: esterno; Figure: intere; Elementi decorativi: vela fortunata appesa alla canapa, panno bianco e rosso sventolato per attirare l'attenzione della nave, un cadavere ricoperto da un drappo che richiama il lenzuolo funebre degli antichi (in basso a destra), manto rosso dell'uomo che tiene in braccio il figlio morto; LA ZATTERA DI MEDUSA (ANALISI DELL'OPERA) Movimento: dinamico; Atteggiamento: disperazione e speranza; Luce: da sinistra. Valore: celebrativo; Fini: denuncia sociale; Significato: il dipinto rappresenta il naufragio della fregata francese Méduse, a causa di negligenze e decisioni affrettate dal comandante Hugues Duray de Chaumareys. Più di 250 persone si salvarono grazie alle scialuppe, le rimanenti 150 dovettero essere imbarcate su una zattera. Il quadro è diviso in 2 parti: nella parte sinistra c'è un uomo che tiene in braccio il figlio morto ed è caratterizzato da una tristezza pacata; nella parte destra c'è un uomo di colore (all'epoca era immorale rappresentarli, quindi fa un'altra denuncia sociale). ROMANTICISMO ONNIRICO E VISIONARIO Insieme al romanticismo si sono sviluppate altre espressioni nella pittura, come la pittura onirica e visionaria. Questo genere di pittura viene praticata da pittori come Goya, Fussli e Blake che utilizzano i temi del sogno, dell'incubo e della fantasia. ♡B Johann Heinrich Füssli BIOGRAFIA Johann Heinrich Füssli è nato in una famiglia svizzera a Zurigo. Suo padre, ritrattista e paesaggista, aveva destinato suo figlio al pastorato e lo mandò alla Caroline University di Zurigo, dove ricevette un'eccellente educazione classica. Uno dei suoi compagni di classe, Lavater, poi poeta e teorico della fisionomia, diventa uno dei suoi amici più cari. Dopo essere stato ordinato parroco nel 1761, Füssli fu costretto a lasciare la Svizzera per aver aiutato Lavater a denunciare un magistrato la cui potente famiglia cercava vendetta. Attraversò la Germania e, nel 1765, visitò per la prima volta l' Inghilterra, dove visse per qualche tempo grazie alla scrittura. Negli anni Settanta del Settecento compì un pellegrinaggio artistico in Italia dove rimase fino al 1778, cambiando il suo nome da "Füssli" a "Fuseli" per dargli un suono italiano. ♡BB All'inizio del 1779 tornò in Gran Bretagna. Ottiene un ordine dal consigliere Boydell, che organizza in questo momento la "sua galleria di Shakespeare ". Füssli dipinse una serie di opere per Boydell. Nel 1788 sposò Sophia Rawlins, una delle sue modelle. Poco dopo, è diventato un membro associato della Royal Academy. La femminista Mary Wollstonecraft, di cui aveva dipinto il ritratto, ha intenzione di fare un viaggio con lui a Parigi che non sarà mai fatto a causa dell'opposizione di Sophia. Due anni dopo, Füssli è stato promosso in Accademia nel 1790. Nel 1799, Füssli espose una serie di 47 dipinti ispirati alle opere del poeta John Milton e aprì una "Milton Gallery" sul modello della "Shakespeare Gallery" di Boydell. Tuttavia, la mostra fu un fallimento commerciale e la galleria chiuse l'anno successivo, nel 1800. ♡BB Nel 1799 Füssli fu nominato professore di pittura alla Royal Academy. Si è dimesso quattro anni dopo quando è stato nominato curatore dell'Accademia. Nel 1810 riprese il suo incarico di professore, che mantenne fino alla sua morte. Lo scultore italiano Antonio Canova, durante una visita in Inghilterra, si interessò alle opere di Füssli e al suo ritorno a Roma nel 1817, lo fece eleggere membro della prestigiosa Accademia di San Luca. Dopo aver vissuto una vita agiata e senza problemi di salute, Füssli morì a Putney a 84 anni. ♡BB L'INCUBO (ANALISI DELL'OPERA) Soggetto: l'incubo; Autore e committente: Johann Fussli; Misure: 101,6 x 126,7 cm; Collocazione: Detroix Institute of Art, Stati Uniti; Tecnica: olio su tela; Datazione ed epoca: 1781, Romanticismo. Linee: retta orizzontale (letto), curva chiusa (demone); curva chiusa (capo della donna); retta spezzata (polso della donna e del demone); linea obliqua (cavalla); curva chiusa (tavolino); retta spezzata (gamba della donna); retta obliqua (l'altra gamba della donna); curva (schiena della donna); Colore: lo sguardo del demone dal colore bruno è inquietante e pare nell'atto di lasciare la sua vittima per poi avventarsi su di noi. Il resto del dipinto è immerso nell'oscurità dalla quale emerge sul fondo una tenda pesante dal colore rosso scuro. Da questa tenda emerge la testa grigia e nera di una cavalla dagli occhi bianchi. Il resto dell'arredo è illuminato debolmente ed emerge, quindi, dall'oscurità rivelando colori bruni. L'INCUBO (ANALISI DELL'OPERA) La coperta che si intravede sotto il corpo della giovane è l'unico elemento dai colori vivaci, giallo e arancio. Il telo cade a terra e diventa rosso fuoco, allusione, forse, alla componente erotica del dipinto; Spazio: interno; Effetti plastici: le figure sono piatte però vi è la profondità; Elementi decorativi: demone, cavalla, tenda, tavolino, telo rosso; Movimento: leggero dinamismo; Atteggiamento: doloroso, inquietante. Valore: mitologico; Fini: irrazionale; Significato: Il significato è da far risalire ad una leggenda della mitologia scandinava. Il “male” era un piccolo demone che durante il sonno poteva sedersi sul petto dei dormienti causando ansia e incubi notturni. TORRE EIFFEL DI PARIGI • La Torre Eiffel è una struttura che, all'inizio, durante l'esposizione internazionale del 1899, doveva essere temporanea. Furono i cittadini parigini, che firmarono una petizione, a volere questa struttura in piedi. è una struttura tutta in metallo fatta dall'ingegnere Gustave Eiffel (da cui prende il nome la struttura); lui non la fece in ferro pieno, ma usò le travi per evitare che crollasse a causa del vento. Invece di saldare i blocchi di ferro (perché prima o poi con la forza del vento avrebbero ceduto), fece dei buchi e ha messo dei bulloni grandi, in modo che le due travi di ferro bullonate si muovono leggermente e non rischiano di rompersi (infatti è una struttura antisismica). Il problema, ancora ricorrente, è la ruggine che si crea sempre. • Si divide in 3 parti: 1. inferiore (1 terrazza), che regge tutto il peso; infatti non lascia l'architrave, ma ha quattro piloni che sono collegati tra loro tramite un arco che permette di scaricare tutto il peso nei piloni; TORRE EIFFEL DI PARIGI 2. (dalla seconda terrazza): quattro piloni i dilatano in maniera obliqua fermandosi in una parte architravata; 3. (dopo la seconda terrazza): i quattro piloni si uniscono in un unico pilone che va a rastremarsi (restringersi) verso l'alto fino ad arrivare all'ultima terrazza; 4. (ultima terrazza): contiene un ristorante e una piccola sala con le pareti di vetro dove c'è la statua di Eiffel seduto al tecnigrafo che sta progettando la torre eiffel. La parte finale è illuminata per evitare che gli aerei si scontrano. TORRE EIFFEL (ANALISI DELL'OPERA) Soggetto: torre eiffel; Misure: 57 m (prima terrazza); 115 m (seconda); 276 m (terza); 324 m (punta finale); Materiale: metallo; Tecnica: tutto tondo in positivo; Datazione ed epoca: 1887 - 1889, Romanticismo; Collocazione: Parigi. Linee: linea obliqua (arco, prima terrazza); linea obliqua (quattro piloni); parti architravate (seconda terrazza); Colore: materiale; Valori: celebrativo, storico; Fini: celebrazione; Significato: venne costruita nel 1889 per celebrare il centenario della Rivoluzione francese durante l'esposizione universale agli Champs de Mars.