Modernismo e Avanguardie (1900-1930)

Il modernismo raggruppa tutti i movimenti letterari che nel primo trentennio del Novecento decidono di fare tabula rasa con il passato. Non è solo una questione di stile: questi autori rifiutano completamente il positivismo e il realismo ottocentesco.

I tre grandi movimenti - crepuscolari, vociani e futuristi - condividono alcune caratteristiche fondamentali. Tutti subiscono l'influenza delle filosofie di Bergson e Freud, e soprattutto abbandonano l'idea dell'intellettuale solitario per abbracciare la dimensione collettiva del gruppo.

I crepuscolari sono i "poeti del tramonto" che amano le cose vecchie e usano un linguaggio colloquiale. Celebrano oggetti del passato non per nostalgia, ma per prenderne le distanze. Moretti, Gozzano e Corazzini rappresentano perfettamente questo mondo di estraniamento dalla realtà attraverso oggetti simbolici.

I crepuscolari trasformano il linguaggio poetico da sublime a quotidiano, rendendo la poesia più accessibile ma anche più malinconica.

Vociani e il Frammento Lirico

I vociani non sono un vero movimento, ma poeti che collaborano alla rivista "La voce". La loro caratteristica principale è l'individualismo estremo: la poesia diventa esclusivamente autobiografica, raccontando solo l'intimità personale.

Il loro linguaggio è scarno ed essenziale, quasi difficile da comprendere nella sua scabrosità. Non cercano più l'universale come Pascoli, ma si concentrano solo sul proprio dolore personale. Questa poetica porta alla nascita del frammento lirico: componimenti brevissimi ma intensissimi.

Ungaretti sarà il maestro di questa "poesia del frammento", capace di comunicare emozioni profonde in pochissimi versi. I vociani prendono come modelli Baudelaire e Campana, rifiutando la magniloquenza dannunziana.

Il frammento lirico diventa la forma poetica più moderna: poche parole per esprimere grandi emozioni.

Il Futurismo di Marinetti

Il futurismo nasce nel 1909 con il manifesto di Marinetti e ottiene subito successo europeo. A differenza degli altri movimenti, i futuristi esaltano il progresso, la velocità e la macchina in un momento storico di rifiuto della modernità.

Sono interventisti e sostengono la guerra come "sola igiene del mondo". Il loro manifesto attacca apertamente musei, biblioteche e soprattutto le donne, mostrando una forte misoginia. Per loro la macchina veloce è superiore alla donna.

Il Manifesto tecnico della letteratura futurista del 1912 stabilisce regole precise: verbi all'infinito, abolizione di aggettivi e avverbi, eliminazione della punteggiatura. Vogliono creare analogie estreme e incomprensibili, più radicali anche dei simbolisti.

I futuristi si dichiarano autoreferenziali: non gli interessa essere capiti dal pubblico, si bastano da soli. Questa posizione li distingue nettamente da tutti i movimenti precedenti.

Il futurismo rappresenta la prima vera rottura totale con la tradizione letteraria italiana, inventando un linguaggio completamente nuovo.

Esempi di Poesia d'Avanguardia

"E lasciatemi divertire!" di Palazzeschi (1910) rappresenta perfettamente lo spirito futurista. Il poeta crea una composizione ricca di suoni privi di significato, rivendicando il diritto al puro divertimento poetico contro le critiche della gente.

La poesia di Palazzeschi esaspera quello che aveva già fatto D'Annunzio con le parole, ma qui il verso diventa "solo puro divertimento". Mentre gioca con parole inventate, ironicamente inserisce anche latinismi come "oggidì".

"La signorina Felicita" di Gozzano simboleggia invece tutto il crepuscolarismo. Il protagonista si innamora di una ragazza semplice, ribaltando il mito della donna aristocratica per esaltare la spontaneità femminile.

"Viatico" di Rebora mostra già i temi della guerra con l'immagine devastante di un soldato mutilato. Non è ancora poesia di guerra vera, ma una descrizione di ciò che la mente immagina accada ai soldati.

Ogni movimento d'avanguardia crea il proprio linguaggio specifico per esprimere una visione diversa della realtà moderna.

Umberto Saba: la Linea Antinovecentista

Umberto Saba (1883-1957) rappresenta la linea antinovecentista che vuole recuperare la tradizione invece di rompervi completamente. Nasce a Trieste da madre ebrea, il padre lo abbandona prima della nascita creando in lui profonde fragilità psicologiche.

La sua formazione avviene lontano dalle avanguardie, nella tradizione di D'Annunzio e Verga. Durante il fascismo, essendo ebreo, deve cedere la sua libreria e rifugiarsi a Firenze. La psicoanalisi lo aiuterà a comprendere i suoi problemi psicologici.

La moglie Lina rappresenta la figura materna che gli era mancata. Le dedicherà moltissime poesie e morirà un anno dopo di lei, incapace di vivere senza il suo sostegno.

La sua poetica è onesta e autoreferenziale: racconta solo ciò che conosce davvero, senza nascondere significati incomprensibili. Usa un linguaggio cristallino e recupera le "parole trite" della tradizione, ritornando a Petrarca.

Saba dimostra che si può essere moderni anche recuperando la tradizione, purché lo si faccia con sincerità assoluta.

Il Canzoniere di Saba

Il Canzoniere riprende consapevolmente Petrarca nel titolo e nella struttura. Saba ha il coraggio di utilizzare parole della tradizione, recuperando punteggiatura, enjambement e modelli classici in chiave moderna.

I temi fondamentali sono la città di Trieste, il "piccolo Berto" (riconciliarsi con il sé bambino), l'amore per la moglie e la malattia come sofferenza esistenziale. Trieste diventa quasi una donna amata, soprattutto nella sua parte più popolare e trasandata.

"A mia moglie" (1909-10) è il capolavoro di questa poetica onesta. Saba non trova donna degna di essere paragonata alla moglie, quindi la associa alle femmine di tutti gli animali che conducono a Dio: gallina, giovenca, cagna, coniglietta, rondine, formica.

Il linguaggio utilizza enjambement snodati e frasi volontariamente stigmatizzate. L'interpretazione freudiana è evidente: cercando la madre assente, Saba la trova nella moglie che lo ha salvato.

"A mia moglie" dimostra che la poesia più semplice può essere anche la più profonda, quando nasce da sentimenti autentici.

La Capra e Trieste

"La capra" (1909-10) trasforma un incontro casuale in riflessione universale sul dolore. Il poeta dialoga con una capra che bela, riconoscendo in quel suono la voce universale del dolore che accomuna tutti gli esseri viventi.

La struttura è semplice: tre strofe libere che passano dalla situazione apparente (una capra che bela) al riconoscimento del dolore universale. Il belato diventa simbolo di ogni sofferenza umana e naturale.

La capra "dal viso semita" richiama anche le discriminazioni ebraiche dell'epoca. Saba coglie un elemento occasionale per fare una riflessione universale sul senso del dolore.

"Trieste" (1910-12) celebra la città natale come perfetta per la sua "vita schiva". La città viene descritta come uno "scontroso ragazzaccio con gli occhi azzurri" che non sa offrire fiori con gentilezza ma resta comunque amabile.

"Città vecchia" completa il ritratto di Trieste, mostrando l'amore del poeta per i quartieri popolari dove si riconosce nell'umanità più semplice.

Saba rende universali le esperienze più quotidiane, dalla sofferenza di un animale all'amore per la propria città.