Il Romanticismo e Johann Heinrich Fussli

Il Romanticismo nacque principalmente in Germania, influenzato dal movimento letterario "Sturm und drang". Questa corrente artistica valorizzò l'osservazione diretta della natura e l'esplorazione dell'interiorità dell'artista, allontanandosi decisamente dai rigidi canoni neoclassici.

Johann Heinrich Fussli, svizzero, fu uno dei principali esponenti del preromanticismo. Nonostante i suoi studi sull'antico, le sue opere più celebri trattano soggetti romantici ricchi di pathos, immaginazione e atmosfere magiche. Nel disegno "L'artista commosso davanti alla grandezza delle rovine antiche", Fussli rappresenta un personaggio nudo che piange di fronte ai frammenti di una statua romana, esprimendo il sentimento di inferiorità dell'artista contemporaneo rispetto alla grandezza classica.

Nel "Giuramento dei tre confederati sul Rutli", che rappresenta la nascita della Confederazione Elvetica, Fussli si distacca dallo stile neoclassico di David attraverso il gigantismo e lo slancio dei corpi allungati, creando una visione personale e suggestiva dell'evento storico.

Curiosità: Fussli utilizzava una tecnica esecutiva rivoluzionaria, evitando contorni netti e precisi a favore di pennellate rapide ed espressive, preannunciando tendenze artistiche che si sarebbero sviluppate solo decenni dopo!

Il mondo visionario di Fussli e Goya

Il carattere visionario della pittura di Fussli raggiunse la massima espressione con "L'Incubo", suo capolavoro. Quest'opera rappresenta una figura femminile addormentata in una posa innaturale con un mostro grottesco sul ventre, mentre sulla sinistra appare una cavalla spettrale, simbolo dei sogni. La luce, usata teatralmente, amplifica l'effetto emotivo creando apparizioni fantastiche che emergono dall'oscurità.

Francisco Goya, nato nel 1746 a Fuendetodos, è considerato uno dei precursori più importanti tra XVIII e XIX secolo. Dopo aver iniziato la carriera nei circoli culturali progressisti spagnoli, nel 1786 divenne primo pittore di corte della corona spagnola, realizzando numerosi ritratti di personaggi illustri.

La vita di Goya subì una svolta drammatica a causa di una grave malattia e della guerra d'indipendenza spagnola, eventi che influenzarono profondamente il suo stile. Le sue opere cominciarono a presentare temi cupi e macabri, rivelando un'anima tormentata e una visione critica della realtà.

Da ricordare: Entrambi gli artisti, pur con stili molto diversi, esplorarono il lato oscuro dell'animo umano e dell'irrazionalità, aprendo la strada all'arte moderna che avrebbe indagato l'inconscio!

I Capricci di Goya e le celebri Mayas

"Il sonno della ragione genera mostri" è una celebre acquaforte e acquatinta di Goya, parte del ciclo "I Capricci". Quest'opera del 1797 rappresenta un uomo addormentato circondato da creature inquietanti - uccelli notturni, volti ghignanti e un diabolico felino - che simboleggiano come, quando la ragione dorme, prosperino la paura e le false opinioni. Stilisticamente, Goya rappresenta le creature vicine al protagonista con un tratto più chiaro, mentre lo sfondo è scuro e fitto.

I ritratti femminili più celebri dell'artista sono "La Maya desnuda" e "La Maya vestida". Nella prima tela (1790-1800), Goya raffigura una donna contemporanea che mostra con orgoglio la propria sessualità. Nella seconda (1802-1805), la medesima donna è coperta da un velo bianco che, insieme agli altri indumenti, esalta la sensualità del corpo lasciando allo spettatore il compito dello svelamento. Le tecniche pittoriche differiscono: pennellate svelte e leggere per la "Maya vestida", maggiore attenzione al naturalismo per la "Maya desnuda".

Negli anni successivi, Goya denunciò le atrocità della guerra d'indipendenza spagnola nella serie "I disastri della guerra", acqueforti realizzate tra il 1808 e il 1812, che anticiparono il celebre dipinto "Il 3 maggio 1808: fucilazione alla Montana del Principe Pio".

Rifletti: Le Mayas di Goya non sono semplici nudi, ma rappresentano una rivoluzione nella rappresentazione della sensualità femminile, libera da giustificazioni mitologiche o allegoriche tipiche dell'arte precedente.

La tragedia e l'angoscia nelle opere di Goya

"Il 3 maggio 1808: La fucilazione alla Montana del Principe Pio" è un'opera emblematica di Goya che rappresenta la resistenza madrilena all'armata francese. Dipinta nel 1814, immortala il massacro dei patrioti spagnoli sospettati di aver partecipato alla rivolta del 2 maggio 1808. L'artista contrappone due gruppi: i soldati francesi, quasi invisibili a destra, e i condannati a sinistra, fortemente illuminati da una lanterna che assume connotazioni religiose.

Il punto emotivo centrale della scena è il gesto del contadino che, alzando le braccia al cielo prima dello sparo, ricorda un Cristo crocifisso. La sua figura esprime tutta la disperazione umana davanti all'impersonalità della violenza. La pittura è essenziale nelle forme e nei colori, mentre la disposizione ordinata dei soldati contrasta con il terrore scomposto delle vittime.

Tra il 1819-1823 Goya dipinse le "Pitture Nere", quattordici scene crude sulle pareti della sua casa. Tra queste spicca "Saturno che divora uno dei suoi figli", che rappresenta il dio nell'atto di sbranare un neonato per evitare la profezia che lo voleva spodestato dalla prole. La tecnica pittorica usa colori sporchi e terrosi, mentre i chiaroscuri e la composizione diagonale donano vitalità alla scena raccapricciante.

Attenzione: "Il 3 maggio 1808" è considerato uno dei primi dipinti politici moderni, che non celebra eroi o vittorie, ma denuncia l'orrore della guerra e la sua disumanità attraverso gli occhi delle vittime innocenti.

Il sublime romantico tedesco e inglese

Caspar David Friedrich, tra i più importanti rappresentanti del romanticismo europeo, ha interpretato magnificamente la poetica del sublime. "La croce della montagna" fu inizialmente criticata per l'iconografia religiosa non tradizionale: rappresenta un picco montuoso sormontato da un crocifisso. L'opera è ricca di simboli: la croce unisce terra (uomo) e cielo (creato), la roccia rappresenta la saldezza della fede e i sempreverdi sullo sfondo simboleggiano le speranze umane.

"L'Abbazia nel querceto" (1809-1810) esprime il fervore religioso e le tendenze mistiche dell'arte romantica. Vi compaiono le rovine dell'abbazia cistercense di Eldena sotto un cielo livido, con frati che trasportano alla sepoltura un confratello. L'atmosfera cupa è accentuata dagli scheletri nudi delle querce che conferiscono un aspetto misterioso.

L'opera più rappresentativa di Friedrich è "Il viandante sul mare di nebbia", che ritrae un viandante solitario su uno sperone roccioso che contempla l'immensa distesa di nebbia sottostante. Questa composizione riflette sulla fragilità umana di fronte alla natura. La tavolozza contrappone tonalità delicate e luminose a toni opachi, evidenziando il contrasto tra elementi reali (uomo e rocce) e indefiniti (il mare di nubi).

Riflessione: Il "Viandante sul mare di nebbia" rappresenta perfettamente la condizione dell'uomo romantico: solo davanti all'infinito, consapevole della propria piccolezza ma anche della grandezza del proprio pensiero che può abbracciare l'immensità.

Turner e Constable: due visioni del paesaggio romantico

Joseph Mallord William Turner, anticipatore dell'astrattismo, espresse al meglio il concetto del sublime nella natura. In "Didone costruisce Cartagine", pur affrontando un soggetto classico, predomina il tema paesaggistico con una natura serena e maestosa, in perfetto equilibrio tra disegno e colore.

Nel dipinto "Bufera di neve: Annibale e il suo esercito attraversano le Alpi", Turner raggiunge un forte impatto emotivo. Il vero protagonista è lo scatenarsi incontrollato della natura: vorticosi ammassi di neve e nebbia creano un'onda minacciosa che oscura il sole. I soldati appaiono minuscoli tra le montagne, suscitando nell'osservatore sentimenti contrastanti di ammirazione e terrore.

"Incendio della Camera dei Lords e dei Comuni" (1835) esemplifica perfettamente il concetto romantico di sublime. Le lingue di fuoco indomabili incendiano il cielo e si riflettono nelle acque del Tamigi, creando un contrasto tra tonalità calde (fuoco) e fredde (acqua) che suggeriscono sensazioni di energia e drammaticità.

John Constable, altro grande paesaggista inglese, preferiva rappresentare scenari bucolici e idilliaci delle sue terre natali. Nel "Mulino di Flatford", illustra un sereno ricordo d'infanzia con attenzione al mondo naturale e umano. Fondamentale nelle sue opere è l'uso del colore e del chiaroscuro, reso con l'alternanza di pennellate interrotte e tratti di bianco puro.

Confronto: Mentre Turner cercava l'emozione sublime nelle forze drammatiche della natura, Constable trovava poesia nella quotidianità del paesaggio rurale inglese, anticipando l'attenzione alla luce e all'atmosfera che caratterizzerà l'Impressionismo.