Il Decadentismo: origini e visione del mondo

Il termine "Decadentismo" deriva dal primo verso della poesia "Languore" di Paul Verlaine, pubblicata nel 1883 sul periodico parigino "Le Chat Noir". In questa poesia, l'autore si identifica con l'atmosfera di stanchezza spirituale dell'Impero Romano alla fine della sua decadenza.

Inizialmente usato dalla critica in senso dispregiativo, il termine venne orgogliosamente adottato dai gruppi d'avanguardia come simbolo di privilegio spirituale. Questi intellettuali si contrapponevano alla mentalità borghese, ostentando atteggiamenti bohémiens e ispirandosi al modello "maledetto" di Baudelaire.

La visione del mondo decadente rifiuta il positivismo e la sua fiducia nella scienza e nel progresso. Per i decadenti, la realtà è avvolta dal mistero e non può essere compresa attraverso la ragione, ma solo intuita tramite oscure analogie e corrispondenze tra le cose. Queste corrispondenze coinvolgono anche l'uomo, creando una misteriosa unità tra io e mondo.

💡 I decadenti cercano di raggiungere l'essenza segreta della realtà attraverso stati alterati di coscienza come la malattia, la follia, il sogno e l'allucinazione, spesso provocati artificialmente con alcol o droghe.

Un atteggiamento tipico è il panismo, ovvero la fusione e immedesimazione dell'individuo con la natura. Un altro stato privilegiato sono le epifanie: momenti in cui un particolare apparentemente insignificante della realtà si carica improvvisamente di un misterioso significato, come un messaggio proveniente da un'altra dimensione.

La poetica del Decadentismo

Per i decadenti, l'arte è uno strumento privilegiato di conoscenza. Il poeta non è solo un abile artefice della parola, ma un veggente capace di vedere ciò che agli altri è precluso. L'arte diventa il valore più alto, al di sopra di tutti gli altri, dando origine al fenomeno dell'estetismo.

L'esteta assume come principio regolatore della vita non i valori morali (bene o male), ma solo il bello. Si pone al di là della morale comune, in una sfera eccezionale rispetto agli uomini mediocri. Per lui, arte e vita si confondono: l'esteta fa della propria esistenza un'opera d'arte, ricercando sensazioni rare e oggetti preziosi.

Queste posizioni furono teorizzate in Inghilterra e poi riprese in Francia da Joris Karl Huysmans, fino a raggiungere la massima espressione con Oscar Wilde e Gabriele D'Annunzio. L'esteta rifiuta di farsi portavoce di ideali morali e civili: l'arte si svincola da intenti pratici e utilitaristici, diventando arte pura.

Nel Decadentismo, la parola poetica perde la sua funzione di comunicazione logica e razionale, assumendo un valore puramente evocativo. Si verifica una rivoluzione del linguaggio poetico: la parola recupera una funzione ancestrale di formula magica, capace di rivelare l'ignoto.

💡 La poesia diviene volutamente oscura, al limite dell'incomprensibilità, rivolgendosi solo a pochi eletti capaci di comprendere il suo linguaggio cifrato.

Si manifesta così il carattere aristocratico dell'arte decadente, che rifiuta il pubblico borghese ritenuto mediocre. Questa scelta è motivata anche dall'emergere della cultura di massa, da cui l'artista cerca di distinguersi. Si delinea una frattura radicale tra artista e società, tra intellettuale e pubblico.

Tecniche espressive e temi del Decadentismo

I decadenti utilizzano diverse tecniche espressive per ottenere effetti suggestivi:

La musicalità è fondamentale: la parola diventa non solo un elemento designante una realtà, ma un puro suono carico di valori evocativi. La musica è considerata la suprema tra le arti proprio perché indefinita e capace di agire sulle zone più oscure della psiche.

La sintassi si fa più vaga e imprecisa, mentre le singole parole assumono sfumature diverse dai significati comuni. La metafora decadente non è regolata da un semplice rapporto di somiglianza, ma allude a segrete relazioni tra le cose in un sistema di analogie universali.

Il simbolo decadente è oscuro e misterioso, può essere interpretato in vari sensi, diversamente dall'allegoria medievale che definiva chiaramente il rapporto tra significante e significato. La sinestesia crea la fusione di sensazioni appartenenti a sfere sensoriali diverse, rimandando a una rete simbolica sotterranea al reale.

Dal senso di disfacimento deriva l'ammirazione per le epoche di decadenza, come la tarda latinità imperiale e l'età bizantina. I decadenti sono attratti dal lusso raro e prezioso e dalla lussuria pervasa di perversione e crudeltà. Buona parte della letteratura decadente è segnata da sadismo e masochismo.

💡 La malattia è un tema centrale: da un lato metafora di una crisi profonda, dall'altro condizione privilegiata, segno di nobiltà e distinzione che permette una conoscenza più profonda della realtà.

La morte domina molte pagine della letteratura decadente, con un desiderio morboso di autodistruzione e un'attrazione per il nulla. A questo si contrappongono però tendenze opposte: il vitalismo (esaltazione della pienezza vitale) e il superomismo (mitizzazione della forza barbarica), teorizzati rispettivamente da Schopenhauer e Nietzsche.

Gli eroi decadenti e l'eredità letteraria

Nel Decadentismo nascono alcune figure ricorrenti che assumono dimensione mitica:

L'artista maledetto profana tutti i valori della società, sceglie deliberatamente il male e si compiace di una vita misera e sregolata, fino all'autoannientamento attraverso una sessualità sfrenata, alcol e droghe.

L'esteta vuole trasformare la propria vita in un'opera d'arte, sostituendo le leggi morali con le leggi del bello. Ricerca costantemente sensazioni e piaceri raffinati, prova orrore per la vita comune e si isola per circondarsi solo di bellezza e arte.

L'inetto a vivere si sente escluso dalla vita che lo circonda e a cui non sa partecipare per mancanza di energie vitali. Si rifugia nelle sue fantasie, vorrebbe provare forti passioni ma si sente impotente.

La donna fatale è dominatrice del maschio fragile, lussuriosa e perversa, dal cui fascino è impossibile sfuggire. Consuma le energie vitali dell'uomo e lo porta alla follia e alla distruzione.

L'inetto a vivere può essere ricondotto al fanciullino pascoliano, caratterizzato dal rifiuto della condizione adulta. Questo mito esprime l'esigenza di una regressione a forme di conoscenza anteriori alla vita logica.

💡 Dalla tendenza decadente a esaltare la pienezza vitale nasce la figura del superuomo dannunziano, ispirato a Nietzsche: un individuo superiore alla massa, forte e dominatore, che si muove verso mete eroiche senza essere ostacolato da dubbi.

Il superomismo si carica anche di valenze politiche, assegnando all'eroe il compito di riportare l'Italia alla grandezza passata e a un futuro imperiale, come vedremo nell'opera di Gabriele D'Annunzio.

Gabriele D'Annunzio: vita e prima fase

Gabriele D'Annunzio nasce nel 1863 a Pescara da una famiglia borghese. Dopo gli studi al prestigioso collegio Cicognini di Prato, pubblica a soli 16 anni "Primo Vere", riscuotendo discreto successo. Abbandonata l'università, si dedica al giornalismo e acquisisce notorietà attraverso una produzione letteraria abbondante e una vita spregiudicata.

Nei suoi primi anni si costruisce la maschera dell'esteta, individuo dotato di speciale sensibilità per la bellezza, che rifiuta i valori borghesi rifugiandosi in un mondo di pura arte. Questa fase si esaurisce all'inizio degli anni '90, quando elabora il mito del superuomo, caratterizzato non solo dalla vocazione alla bellezza, ma anche da straordinaria energia erotica e attivista.

Nel 1895 inizia una relazione con l'attrice Eleonora Duse, che dura circa 10 anni. Si trasferisce alla villa della Capponcina, a Settignano, conducendo una vita principesca. Questa ostentazione di lusso è legata al sistema economico del tempo: D'Annunzio si mette in primo piano per vendere meglio la sua immagine e le sue opere.

💡 L'esibizionismo dannunziano non era solo vanità: rappresentava una strategia per costruire un personaggio pubblico che affascinasse il pubblico borghese, lo stesso che nei suoi scritti disprezzava.

Successivamente elabora progetti di attivismo politico, tentando la carriera parlamentare prima come deputato di destra e poi passando alla sinistra. Per raggiungere un pubblico più vasto, avvia una produzione teatrale con opere come "La città morta" (1898).

La sua fama cresce al punto da trasformarsi in vero divismo. Il fenomeno del dannunzianesimo influenza profondamente il costume dell'Italia borghese, nonostante nel 1910 fosse costretto a fuggire in Francia per sfuggire ai creditori.

D'Annunzio: dalla guerra al Vittoriale

Allo scoppio della Prima Guerra Mondiale, D'Annunzio torna in Italia e conduce un'intensa campagna interventista. Nonostante i suoi 52 anni, si arruola volontario e attira l'attenzione con imprese clamorose come la "beffa di Buccari" e il volo su Vienna.

Nel dopoguerra, D'Annunzio interpreta la "vittoria mutilata" e cerca di proporsi come leader di un movimento di reazione, ma viene sconfitto da Benito Mussolini. Il fascismo lo esalta come padre della Patria, ma lo confina nella villa di Gardone Riviera, che D'Annunzio trasforma nel Vittoriale degli italiani, dove muore nel 1938.

La produzione poetica di D'Annunzio inizia con poesie che imitano "Vita dei campi" di Verga, ambientate a Pescara. "Intermezzo di rime" gioca sulla confessione della stanchezza sensuale, mentre "La chimera" insiste sui temi della sessualità perversa incarnata in donne fatali e distruttrici.

Queste opere riflettono l'estetismo dannunziano: l'arte come valore supremo a cui subordinare tutti gli altri valori, la vita sottratta alle leggi del bene e del male e sottoposta solo alla legge del bello. La poesia non nasce più dall'esperienza vissuta, ma da altra letteratura, imitando poeti classici, della tradizione italiana e contemporanei francesi e inglesi.

💡 Il personaggio dell'esteta rappresenta la reazione alle trasformazioni economiche e sociali dell'Italia postunitaria, che declassavano l'artista togliendogli il prestigio avuto nelle epoche precedenti.

D'Annunzio, proveniente dalla provincia abruzzese, non si rassegna a questa condizione: vuole successo, fama e lusso aristocratico. L'esteta è una forma di risarcimento immaginario dalla degradazione dell'artista, ma D'Annunzio non si accontenta di sognare: vuole vivere quel personaggio nella realtà, producendo libri di successo e sfruttando la pubblicità derivante dai suoi scandali.

"Il piacere" e la crisi dell'estetismo

Ben presto D'Annunzio si rende conto della debolezza della figura dell'esteta in un mondo lacerato da forze e conflitti brutali. L'isolamento sdegnoso, anziché essere un privilegio, diventa sterilità e impotenza; il culto della bellezza si trasforma in menzogna. La costruzione dell'estetismo entra in crisi.

"Il piacere", il primo romanzo di D'Annunzio, testimonia questa crisi. Il protagonista Andrea Sperelli è un alter ego dell'autore, in cui D'Annunzio proietta la sua insoddisfazione. Andrea è un giovane aristocratico dalla volontà debolissima, educato secondo il "criterio del piacere", cioè a godere di tutte le esperienze della vita.

L'insegnamento del padre è emblematico: "possedere e non essere posseduti". In Andrea si sviluppa il senso estetico e il gusto dell'arte, ma diminuisce il senso morale per la mancanza di volontà. Non distingue il bene dal male e sviluppa una tendenza alla menzogna, conducendo una vita "finta".

La trama ruota attorno alla sua incapacità di scegliere tra due donne: Elena Muti, la donna sensuale e fatale, e Maria Ferres, donna pura che rappresenta la possibilità di riscatto spirituale. In un momento di intimità con Maria, Andrea la chiama con il nome dell'altra, rivelando la sua doppiezza.

💡 La mancanza di volontà di Andrea Sperelli rappresenta l'incapacità dell'esteta di vivere autenticamente: diviso tra desiderio sensuale e aspirazione spirituale, finisce per fallire su entrambi i fronti.

D'Annunzio crea un romanzo psicologico in cui, più che gli eventi dell'intreccio, contano i processi interiori del personaggio, indagati con sottile analisi. È attraverso questa introspezione che l'autore mostra la fragilità dell'ideale estetico quando si scontra con le complessità della vita reale.

I romanzi del superuomo

D'Annunzio coglie alcuni aspetti del pensiero di Nietzsche, contrapponendosi alla supremazia della razionalità scientifica e alla mediocrità borghese. Esalta lo "spirito dionisiaco" degli antichi greci, uno slancio vitale che travolge i limiti consueti dell'individuo e potenzia le sue facoltà.

Secondo Nietzsche, l'uomo moderno è imprigionato dallo "spirito apollineo", che impone un rigido controllo razionale. La morale della rinuncia prevale sul piacere e sul vitalismo di un eros libero. Di ciò è responsabile soprattutto il cristianesimo, che ha reso gli uomini schiavi. Nietzsche propone quindi l'idea di un "oltreuomo" (superuomo), un nuovo tipo di essere umano che, al di là della morale tradizionale, sviluppa pienamente la propria individualità.

Per D'Annunzio, il superuomo è un esteta con un'ideologia nazionalista e antidemocratica. Secondo lui, è necessaria un'oligarchia, un'élite che governi, poiché le masse sono incapaci di farlo. Il motivo nietzschiano è interpretato come il diritto di pochi esseri eccezionali ad affermarsi, spezzando le leggi comuni.

💡 Il superuomo dannunziano non nega l'esteta, ma lo ingloba dandogli una funzione diversa: l'artista diventa "vate", guida nella realtà sociale e politica.

Uno dei romanzi più rappresentativi è "Le vergini delle rocce". Il protagonista, Claudio Cantelmo, sdegnoso della realtà borghese, vuole generare il superuomo che guiderà l'Italia a destini imperiali. Il romanzo si concentra sulla scelta della donna che dovrà generare questo superuomo tra le tre figlie del principe Montaga, in uno scenario di decadenza.

Alla fine, Cantelmo non riesce a scegliere tra le tre principesse e il romanzo si chiude con la sua perplessità. Nonostante le ambizioni eroiche, anche i protagonisti dannunziani rimangono deboli e sconfitti, incapaci di tradurre le loro aspirazioni in azione.

Le Laudi e Alcyone

D'Annunzio vuole affidare la summa della sua visione a sette libri intitolati "Laudi del cielo del mare della terra e degli eroi", un progetto di celebrazione totale. I titoli delle raccolte derivano dai nomi delle stelle delle Pleiadi (Maia, Elettra, Alcyone...). Questa costruzione rimane incompiuta: vengono pubblicati Merope (dedicato all'impresa coloniale in Libia) e Asterope (ispirato alla prima guerra mondiale), mentre gli ultimi due libri non vengono mai scritti.

"Alcyone", terzo libro delle Laudi, racconta in 88 componimenti una vacanza estiva fatta da D'Annunzio con la donna amata sulla riviera tirrenica. Si passa dalla primavera all'inizio dell'autunno, seguendo il ciclo delle stagioni.

Centrale in queste poesie è il rapporto uomo-natura che D'Annunzio esprime attraverso il panismo: la tendenza a confondersi e mescolarsi con il Tutto. L'uomo si immedesima con la natura, avviene una metamorfosi dall'umano al vegetale, mentre la natura acquista caratteristiche umane.

💡 L'esperienza panica del poeta è una manifestazione del superomismo: solo al superuomo, creatura d'eccezione, è concesso di innalzarsi (trasumanare), attingendo ad una vita superiore.

Questa condizione di sensibilità privilegiata si esprime attraverso una parola che si declina in musica. Per D'Annunzio la forma poetica è spesso più importante del contenuto stesso.

Nella poesia dannunziana, il superuomo trova la sua massima espressione estetica: capace di fondersi con la natura in un'estasi panica, rappresenta l'uomo capace di superare i limiti dell'umano attraverso l'arte e la bellezza. È un vitalismo che celebra la potenza creatrice dell'individuo eccezionale, in contrasto con la mediocrità della vita borghese.

Giovanni Pascoli: vita e formazione

Giovanni Pascoli nasce il 31 dicembre 1855 a San Mauro di Romagna, da una famiglia della piccola borghesia rurale. Era il quarto di dieci figli in una tipica famiglia patriarcale. La serenità familiare viene sconvolta da una tragedia: il 10 agosto 1867, il padre Ruggero viene ucciso a fucilate da un rivale che aspirava al suo posto di lavoro.

I responsabili non furono mai identificati, evento vissuto dal giovane Pascoli come un'ingiustizia insopportabile. La morte del padre creò difficoltà economiche alla famiglia. Giovanni, che aveva ricevuto una rigida formazione classica nel collegio degli Scolopi a Urbino, nel 1871 dovette lasciare il collegio, ma grazie ai suoi professori proseguì gli studi a Firenze.

Nel 1873 ottenne una borsa di studio all'Università di Bologna. Negli anni universitari, subì il fascino dell'ideologia socialista, partecipando a manifestazioni contro il governo. Fu arrestato nel 1879 e trascorse alcuni mesi in carcere, ma venne assolto. Dopo questa esperienza, si distacca dalla politica militante.

💡 I traumi familiari segnarono profondamente Pascoli, sviluppando in lui un'ossessione per il "nido" familiare perduto che diventerà un tema centrale della sua poetica.

Laureatosi nel 1882, iniziò la carriera di insegnante liceale. Visse con le sorelle Ida e Maria, ricostruendo quel nido familiare che era stato distrutto. Questa chiusura nel nido e l'attaccamento morboso alle sorelle rivelano la fragilità psicologica del poeta, che cercava nell'intimità domestica protezione da un mondo esterno percepito come minaccioso.

Nel 1895 ottenne la cattedra di grammatica greca e latina all'Università di Bologna. Con la sorella Mariù, prese in affitto una casa a Castelvecchio di Barga, dove trascorreva lunghi periodi lontano dalla vita cittadina, a contatto con la campagna che rappresentava per lui un Eden di serenità.