Le origini del Neoclassicismo

Immagina di vivere nel Settecento: il Barocco tardivo e il rococò (quello stile tutto fronzoli e decorazioni) non rispecchiano più i valori dell'Illuminismo. Gli intellettuali cercano qualcosa di nuovo, ma paradossalmente guardano all'antico - da qui nasce il Neoclassicismo.

Questo movimento ha delle basi solidissime: le scoperte archeologiche di Pompei ed Ercolano (1738-1748) aprono gli occhi su come vivevano davvero gli antichi. Il Grand Tour diventa una moda irrinunciabile per i ricchi europei, che girano l'Italia e la Grecia collezionando opere d'arte come fossero figurine.

Johann Winckelmann, il teorico più importante del movimento, scrive nel 1755 "Pensieri sull'imitazione dell'arte greca" senza aver mai visto un originale greco! Secondo lui, imitare gli antichi non significa copiare, ma coglierne lo spirito per creare qualcosa di nuovo.

Ricorda: L'arte neoclassica punta alla bellezza ideale e alla nobile semplicità, evitando sempre i momenti di massima intensità emotiva.

Antonio Canova: il genio del marmo

Antonio Canova è l'ultimo grande artista italiano di fama mondiale. Nato a Possagno nel 1757, si trasferisce a Roma dove mette su una bottega che funziona come una vera azienda: lui progetta e rifinisce, i collaboratori sbozzano.

La sua tecnica è geniale: disegni preparatori, bozzetti in argilla, modello a grandezza naturale, calco in gesso con chiodini metallici per riportare i punti sul marmo. Questo sistema gli permette di fare copie rapidissime delle sue opere più famose.

Il Teseo sul Minotauro (1781-83) mostra perfettamente lo stile canoviano: niente violenza, solo il momento dopo la battaglia. Teseo siede pensoso sul corpo del nemico sconfitto, senza trionfalismo. È arte didascalica pura: la ragione che vince sugli istinti.

Amore e Psiche che si abbracciano (1788-93) è matematicamente perfetta: i corpi formano archi che si intersecano, creando una geometria dell'amore. Sensualità sì, ma sempre contenuta e misurata.

Curiosità: Canova spalma cera rosata sulle parti nude per rendere il marmo più realistico - un trucco che pochi conoscono!

Paolina Borghese: scandalo di marmo

La Paolina Borghese come Venere vincitrice (1804-08) fa ancora discutere oggi. Canova ritrae la sorella di Napoleone come la dea che ha vinto il giudizio di Paride, ma il risultato è esplosivo per l'epoca.

La scultura si ispira ai sarcofagi etruschi e all'Agrippina romana, ma Canova aggiunge quel tocco di sensualità che fa la differenza. Paolina è semisdraiata su un triclino con meccanismo rotante (per ammirarla da ogni angolo), coperta solo da un velo strategico sulle gambe.

Il volto è completamente idealizzato - niente ritratto realistico - ma la cera rosata la riporta nel mondo terreno. Il risultato? Paolina stessa si vergogna e chiede al marito di non esporla più al pubblico.

L'opera mescola sacro e profano, antico e moderno, idealizzazione e sensualità in un equilibrio perfetto che solo Canova sapeva creare.

Dettaglio da ricordare: Il secondo dito del piede più lungo del primo era considerato segno di bellezza nell'arte classica!

Jacques-Louis David: l'arte al servizio della politica

Jacques-Louis David (1748-1825) non è solo un pittore, è un rivoluzionario con il pennello. Dopo gli studi a Roma, torna in Francia e diventa il pittore ufficiale prima della Rivoluzione, poi di Napoleone.

Il Giuramento degli Orazi (1784) diventa il manifesto della Rivoluzione francese. La storia dei tre fratelli romani che giurano di morire per la patria parla direttamente ai francesi: da una parte gli uomini determinati e geometrici, dall'altra le donne che si abbandonano al dolore.

La Morte di Marat (1793) trasforma un omicidio politico in una santificazione laica. Marat, il rivoluzionario ucciso nella vasca da bagno, diventa un martire illuminato dalla luce divina alla Caravaggio. David non mostra nemmeno l'assassina Charlotte Corday - non merita di essere ricordata.

Il Bonaparte che valica le Alpi è pura propaganda napoleonica: il condottiero calmo domina un cavallo imbizzarrito, mentre il vento spira nella direzione giusta per le sue conquiste.

Strategia di David: Ogni opera ha un messaggio politico preciso - l'arte deve educare il popolo agli ideali civici.

Francisco Goya: il visionario che anticipa il futuro

Francisco Goya (1746-1828) è inclassificabile: non è neoclassico (troppo realistico), non è ancora romantico, ma anticipa tutto quello che verrà dopo. È un illuminista pessimista che vede prevalere i "demoni" sulla ragione.

La sua Famiglia di Carlo IV (1800) è il primo ritratto collettivo brutalmente onesto della storia. Ispirati alle "Meninas" di Velázquez, questi reali spagnoli sono ritratti senza pietà: la regina altezzosa, il re bamboccione, l'erede arrogante. Come disse un critico francese, "sembrano aver appena vinto alla lotteria".

Le Maje (desnuda e vestita) rompono tutti i tabù: per la prima volta una donna reale viene ritratta nuda, senza giustificazioni mitologiche. La maja guarda l'osservatore con sfrontatezza, consapevole del proprio potere seduttivo.

"Il sonno della ragione genera mostri" è la sua opera manifesto: quando la razionalità si addormenta, emergono gli istinti più bassi dell'animo umano.

Innovazione rivoluzionaria: Goya rappresenta l'inconscio umano un secolo prima che Freud lo teorizzasse!

Goya e gli orrori della guerra

Le Fucilazioni del 3 maggio 1808 rappresentano una svolta epocale: per la prima volta un artista denuncia gli orrori della guerra invece di esaltarla. Questa tela ispirerà Picasso per Guernica.

La composizione è drammatica: da una parte i soldati francesi di spalle (disumanizzati), dall'altra gli insorti spagnoli divisi in tre gruppi temporali. Al centro, l'uomo in camicia bianca con le braccia aperte come un Cristo laico - il martire della patria.

Goya usa il colore in modo emotivo: niente bellezza ideale, solo volti sfigurati dalla morte e dalla paura. Perfino la chiesa sullo sfondo sembra impotente di fronte alla barbarie umana.

Le Pitture Nere (1820-24) sono il testamento artistico di Goya. Ritiratosi nella "Quinta del Sordo", dipinge sulle pareti 14 opere angoscianti che mostrano l'umanità senza la guida della ragione.

Saturno che divora i figli è l'opera più spaventosa: il gigante mostruoso rappresenta il potere che distrugge tutto pur di conservarsi. È la visione più pessimista dell'umanità mai dipinta.

Eredità di Goya: I suoi "mostri" influenzeranno espressionisti, surrealisti e tutta l'arte moderna.