Neoclassicismo

Didascalia alternativa:

nel pensiero razionale stimola anche il progresso scientifico e tecnologico: Avvio della rivoluzione industriale iniziata in Inghilterra intorno al 1760 Battaglia per la tolleranza religiosa Contestazione verso i regimi monarchici; si diffondono ideali di Libertà, Uguaglianza, Fratellanza (Rivoluzione francese) L'ILLUMINISMO sulla fede profonda nella ragione si basa un movimento di pensiero si sviluppò in Francia in tutta Europa venne diffuso dallo scambio di idee che avveniva nei caffè nei salotti e nei club dai giornali a L'Illuminismo cittadini del mondo era sostenuto fu attivo a Napoli l'eguaglianza e la tolleranza si sentivano a Milano proclamavano condannavano criticavano dai filosofi diffusero influenzarono i sovrani europei -la guerra -la caccia alle streghe -la tratta dei negri introdussero riforme pubblicarono combattevano idee politiche la religione idee economiche furono teorizzate Adam Smith l'Enciclopedia il potere assoluto furono teorizzate Charles de Montesquieu Jacques Rousseau Voltaire a a J.J. Winckelmann (1717-1768) Fu il massimo teorico del neoclassicismo. Aveva studiato teologia, medicina, matematica, si appassiona alla lettura dei testi classici greci e nel 1755 pubblica a Dresda Pensieri sull'imitazione dell'arte greca nella pittura e nella scultura, in tale opera sono presenti tutti i temi del pensiero neoclassico. A Roma entra al servizio del Cardinale Alessandro Albani, uno dei maggiori collezionisti del tempo, qui porta a termine una seconda opera: Storia dell'arte nell'antichità 1764. Per la prima volta la storia dell'arte veniva studiata dal punto di vista cronologico, ma anche estetico (inerente al valore formale, alla qualità). "L'unica via per divenire grandi, è l'imitazione degli antichi" Imitazione degli antichi greci Ispirarsi a un modello che si cerca di uguagliare ma che mai si raggiungerà Winckelmann sosteneva che "il contrario del pensiero indipendente è la copia, non l'imitazione", l’imitazione è cosa diversa dalla copia, imitare vuol dire ispirarsi a un modello che si creca di uguagliare, copiare è invece un'azione limitativa in quanto prevede la realizzazione di un'opera identica in ogni parte al modello originale. «La generale e principale caratteristica dei capolavori greci è una nobile semplicità e una quieta grandezza, sia nella posizione che nell'espressione. Come la profondità del mare che resta sempre immobile per quanto agitata ne sia la superficie, l'espressione delle figure greche, per quanto agitate da passioni, mostra sempre un'anima grande e posata>> Pensieri sull'imitazione delle opere greche nella pittura e nella scultura 1755, Winckelmann Winckelmann consiglia di imitare l' Apollo del Belvedere così, sarà possibile «formarsi un'idea che superi le proporzioni più che umane di una bella divinità». Inoltre «tale imitazione insegnerà a pensare e ad immaginare con sicurezza, giacché si troverà fissato in questi modelli l'ultimo limite del bello umano e del bello divino». Winckelmann considerando il gruppo del Laocoonte definisce ciò che egli ritiene il carattere proprio di quella scultura e allo stesso tempo stabilisce il principio fondamentale a cui deve adeguarsi ogni opera neoclassica: "nobile semplicità e quieta grandezza" Mengs venne ritenuto dai contemporanei il maggiore pittore d'Europa, il vero riformatore della pittura corrotta dal barocco. Mengs ha importanza soprattutto per il significato polemico assunto dalla sua opera che apparve come una illustrazione delle teorie del suo amico J. J. Winckelmann. Anton Raphael Mengs, Parnaso (1761); affresco, 313 x 580 cm, villa Albani, Roma Per il salone della villa del cardinale Alessandro Albani, presso porta Salaria, realizza un affresco in cui il cardinale è rappresentato come Apollo, (protettore delle arti), crea una composizione perfettamente composta e semplificata quasi priva di profondità e movimento, con citazioni tratte dalla statuaria antica, affreschi di Ercolano e dai dipinti di Raffaello. L'elemento più dinamico è costituito da due danzatrici, motivo derivante dalle coeve scoperte archeologiche, tra cui gli affreschi rinvenuti nella cosiddetta villa di Cicerone a Pompei. Nell'impostazione formale e nella disposizione delle figure si possono invece cogliere riferimenti al Parnaso di Raffaello affrescato nella Stanza della Segnatura in Vaticano Poiché ancora non si sapeva nulla della pittura greca e comunque ciò che si conosceva dagli scavi di Ercolano e Pompei e Roma era "non greco”, gli esempi a cui guardare per quel che concerneva la pittura erano indicati in coloro che lavorarono per Leone X in particolar modo Raffaello il più classico tra gli artisti romani UTARA Alla concezione che la purezza dell'arte fosse stata raggiunta solo dagli antichi greci e che i romani l'avessero corrotta, G. B. Piranesi sostiene che i romani non dovessero nulla ai greci ai quali erano anzi superiori, in Della magnificenza ed architettura de' romani (1761) cercò di dimostrare che l'architettura romana dipendeva solo da quella etrusca e aveva pertanto origini italiche. Giovanni Battista Piranesi Arco di Trionfo (1745-1750 circa) penna e inchiostro bruno, acquarello su matita rossa, 14,7 x 21,1 cm British Museum, Londra Veduta dell interno del Pantheon Giovanni Battista Piranesi Veduta dell'interno del Pantheon (1756) incisione, 53,8 x 41,4 cm 16.6 Piraner Archit.dis.inc. Sette colonne con capitelli coring spettanti al Tempio di Giuturna, e in gran parte interrate nel piano moderno di Roma. A Colonna appartenente all' antica fontana dell' acqua Vergine. B Incavo nella medesima, ov' era un tubo ch' ejeculava l'acqua Piranesi Archit.dis. inc. Giovanni Battista Piranesi Sette colonne con capitelli corintj spettanti al Tempio di Giuturna, e in gran parte interrate nel piano moderno di Roma (1756) incisione, 53,9 x 41,4 cm L'architettura romana, diceva Piranesi, era superiore, in virtù delle notevoli capacità tecniche e dell'esuberanza creativa, opposte alla semplice uniformità di quella greca; Piranesi sbigottito di fronte alle rovine romane diede vita ad una archeologia visionaria, magniloquente e falsata nel documentare le meraviglie della tecnica costruttiva romana. Questo era l'unico modo che potesse rievocare quello che non poteva più tornare. Antonio Canova (Treviso 1757- Venezia 1822) CANOVA <<Mai allora una scultura Neoclassica dovrà mostrare forti passioni o il verificarsi di un evento tragico mentre accade, ma sempre l'artista dovrà scegliere l'attimo successivo alla forte emozione e rappresentare il momento che precede o segue un'azione tragica, quando il tumulto delle passioni o non c'è o si è già allentato>> FERRE CANOVA Teseo sul Minotauro è un'opera scultorea realizzata da Antonio Canova tra il 1781 e il 1783 ed esposta nel Victoria and Albert Museum di Londra. Dal racconto narrato da Apuleio nell'Asino d'oro, Amore rianima Psiche svenuta in quanto, contro gli ordini di Venere, aveva aperto un vaso ricevuto nell'Ade da Proserpina. L'attimo che Canova sceglie di rappresentare è il momento che precede il bacio tra i due protagonisti A.Canova Amore e Psiche 1787-1793, Museo del Louvre. Parigi. Canova per la composizione si ispira a un'incisione che riproduce un fauno mentre si china a baciare una baccante sdraiata, scena rinvenuta in un affresco di Ercolano. La scena, che si presenta piena di grazia e naturalezza, è studiata su una rigorosa composizione geometrica. I corpi delle due figure giovanili si dispongono come due archi incrociati in una grande X e non si sviluppano su un'unico piano, ma in profondità, con un movimento spiraliforme che induce lo spettatore a girare attorno al gruppo scultoreo. Anche il delicato abbraccio in cui si legano i due personaggi si iscrive in un cerchio centrale, indicato dalle braccia, e il movimento circolare si conclude nell'incrocio degli sguardi. Il concetto di bello ideale espresso da Winckelmann trova in questa opera la sua massima espressione. Canova non voleva che la scena apparisse freddamente astratta, così lucidò il marmo e lo cosparse di cera rosa, tanto che i due personaggi apparivano allo spettatore più umani. Canova, Tre Grazie, 1814-1817, marmo, Victoria and Albert Museum, Londra. Canova rinnova l'iconografia che per secoli era rimasta la stessa, le figure sono tutte frontali, si abbracciano, fondendosi tra loro, l'effetto è amplificato, dal drappo che passa da l'una all'altra e dell'incrocio reciproco di sguardi. Raffaello, Le tre Grazie (tra il 1504 e il 1505); olio su pannello, 17x17 cm, Musée Condé Thorvaldsen, Le tre Grazie (1820-1823), marmo dal modello in gesso del 1817-1819. Copenaghen, Museo Thorvaldsen Thorvaldsen era considerato come lo scultore che si atteneva più fedelmente all'estetica neoclassica, le sue Tre Grazie non fanno che confermare l'indole della sua arte. Che era, sostanzialmente, un'arte che cercava di sopire non soltanto qualsiasi moto dell'animo, ma cercava anche di evitare movimenti che potessero suggerire all'osservatore un certo coinvolgimento emotivo. A.Canova Paolina Borghese come venere vincitrice 1804-1808 Le fattezze divine e il volto idealizzato di Paolina sublimano il corpo di Paolina al di fuori di ogni realtà terrena: è restituita alla dimensione umana solo grazie a una speciale patina rosa che Canova applicò sulle parti epidermiche della scultura, in modo da imitare il colore dell'incarnato e conferire all'intera opera una lieve parvenza di vita. All'algida perfezione della scultura si accompagna una sensualità quasi spudorata, nella posa sicura e nel dettaglio dell'attaccatura dei glutei e delle fossette di Venere.. Tale nudità fu motivo di attrazione per molti visitatori, pertanto Camillo Borghese decise di nascondere la statua al pubblico. A.Canova Monumento funebre a Maria Cristina d'Austria. 1798-1805 VXORI OPTIME ALBERTVS O YXORI OPTIMAE ALBERTVS Vaciam saduritaliana.com AVA LACA FOR OPTIMAL ma perché l'uomo deve rinunciare all'illusione di poter vivere in qualche modo anche dopo la morte? Non vive forse anche sottoterra se è benevolmente ricordato da parenti e amici? Certo! Un defunto può continuare a vivere nella mente dei suoi cari. E questo legame d'affetto (questa corrispondenza d'amorosi sensi) fra il morto ed i vivi è un legame importantissimo, divino: Celeste è questa corrispondenza d'amorosi sensi, celeste dote è negli umani; e spesso per lei si vive con l'amico estinto, e l'estinto con noi, 31 33 29 Jacques-Louis David (Parigi, 30 agosto 1748 - Bruxelles, 29 dicembre 1825) Dopo una formazione ricevuta in ambito culturale tradizionale (Accadémie Royale), ottenne l'ambitissimo Prix de Rome che, nel 1775, gli permise di raggiungere l'Italia. Il quinquennale soggiorno romano fu per lui un periodo ricco di esperienze fondamentali, come lo studio diretto dell'arte classica, la scoperta dell'arte rinascimentale (Michelangelo, Raffaello e soprattutto Caravaggio) e, verosimilmente, la conoscenza degli scritti di Winckelmann, Mengs e altri teorici del Neoclassicismo. Di quell'esperienza David racconta: Non appena fui a Parma, vedendo le opere di Correggio, mi sentii scosso, a Bologna cominciai a fare tristi riflessioni, a Firenze fui convinto, ma a Roma mi vergognai della mia ignoranza" Inizia lo studio di David che lo porterà a realizzare migliaia di disegni, sviluppa così un linguaggio naturalista e classicheggiante che applica a soggetti tratti dalla mitologia greca dalla storia dell'antica Roma. A differenza di Canova è interessato più all'aspetto etico che a quello estetico, i suoi personaggi non esprimono grazia, ma eroismo e potenza. Jacques-Luis David II giuramento degli Orazi 1784, olio su tela, 330x425 cm, Louvre, Parigi. DAVID IL GIURAMENTO DEGLI ORAZI I TRE ARCHI 'RACCHIUDONO' 3 DIVERSE ZONE DELLA COMPOSIZIONE V CORAGGIO FERMEZZA CORAGGIO FERMEZZA SAGGEZZA SILENZIOSA RASSEGNAZIONE I dipinti di David ottengono subito un grande successo per il loro spirito rivoluzionario e alla rivoluzione (1789) il pittore partecipa personalmente schierandosi con i Giacobini la fazione repubblicana più estremista. Uno dei personaggi di spicco della rivoluzione, nonché amico intimo di David, è Jean Paul Marat, uno dei personaggi più intransigenti e sanguinari, deputato della Convenzione, Presidente dei Giacobini 3335 NAYANT PO ME CORRONER ILS M'ONT ASSASSINI David costruisce l'immagine del defunto come se si trattasse di una Deposizione di Cristo o di una Pietà: la ferita aperta sul costato, la testa riversa, il braccio abbandonato, il lenzuolo macchiato è quasi un sudario. Questo parallelo è un modo per elevare Marat e esaltarne le virtù presentandolo come esempio da imitare. Marat è un martire della Patria Jacques-Louis David Morte di Marat 1793. Bruxelles, Musées Royaux des Beaux Arts bin Mothe marat Corday an A MARAT DAVID Jacques-Louis David Le Sabine, 1799. Parigi, Museo del Louvre. 25 CICE Nel 1794, con la caduta di Robespierre e la fine del periodo del Terrore, anche David cade in disgrazia, addirittura viene incarcerato. Con l'arrivo di Napoleone David intravede in lui un'ancora di salvezza. Ne diventa il pittore ufficiale. "È un uomo al que si sarebbero innalzati altari nell'antichità, si, amici miei, Bonaparte è il mio eroe" dichiara entusiasta David BONAPARTE INIBAL Per Napoleone realizza decide di opere che lo celebrano con toni enfatici, encomiastici. Del dipinto esistono altre 4 versioni che differiscono per il colore del cavallo e del mantello, ma mostrano tutte Napoleone con questa trionfante postura. J. L. David, Napoleone al passo del San Bernerdo 1800; Musée de l'Armée Parigi. Napoleone Bonaparte come Marte pacificatore è una scultura in bronzo di Antonio Canova (copia dell'originale in marmo) posta al centro del cortile d'onore del palazzo di Brera a Milano Napoleone Bonaparte come Marte pacificatore è una scultura in marmo realizzata da Antonio Canova tra il 1803 e il 1806, conservata alla Apsley House di Londra. David, Napoleone nel suo studio, 1812, 203,9 x 125,1 cm, National Gallery of Art, Washington, DC Jacques-Louis David L'incoronazione di Napoleone olio su tela (610x970 cm), 1805 e il 1807, Musée du Louvre, Parigi. RIVER PARA BAN I progetto si distinse ben presto per gli accorgimenti visivi, le qualità acustiche e la studiata dislocazione dei passaggi, delle scale, degli accessi e dei servizi; la facciata, invece, è caratterizzata dalla presenza di elementi del linguaggio classico che, fondendosi, danno vita a uno stile severo e lineare, tipicamente neoclassico. Tali caratteristiche furono sentitamente lodate da Pietro Verri, Ugo Foscolo e, in particolare, da Stendhal, il quale ritenne la Scala «più bel teatro del mondo, quello che dà il massimo godimento musicale. L 1 544 Ste Architettura Neoclassica. Giuseppe Piermarini, Teatro alla Scala, 1776-1778. Milano