Francese /

Le Pop Art en français

Le Pop Art en français

 Le Pop Art
C'est un mouvement artistique né en Grand Bretagne dans le milieu des années 1950 (alimenté aussi par la
culture américaine). Le

Le Pop Art en français

user profile picture

Arianna's Study 🌸💗

319 Followers

Condividi

Salva

22

 

5ªl

Appunto

-LE « POP » ANGLAIS -UNE RÉBELLION CONTRE L’EXPRESSIONNISME ABSTRAIT -La société de consommation -THÈMES ET TECHNIQUES DU POP ART -Andy Warhol (sérigraphie sur Marilyn) -Roy Lichtenstein -Les Artistes en Japon -NOUVEAU RÉALISME

Non c'è niente di adatto? Esplorare altre aree tematiche.

Le Pop Art C'est un mouvement artistique né en Grand Bretagne dans le milieu des années 1950 (alimenté aussi par la culture américaine). Le mot "Pop art" est une abréviation de "popular art" et il a été prononcé pour la premier fois en 1955 par Lawrence Alloway, un critique d'art anglais membre de l'Independent Group, un groupe réunissant architectes, artistes et intellectuels, créé au sein (all'interno) de l'Institut d'art contemporain de Londres. A L'ORIGINE, LE « POP » ANGLAIS Eduardo Paolozzi, artiste et co-fondateur du groupe, créé en 1947 un collage intitulé "I was a Rich Man's Plaything" (J'étais le jouet d'un homme riche) où il fait apparaître le mot « Pop » dans un nuage de fumée (nuvola di fumo) sortant d'un revolver (pistola), c' est la première fois que nous voyons ce mot). Cet homme est connu surtout pour ses sculptures: - il fut le sculpteur officiel de la Reine d'Angleterre de 1986 jusqu'à sa mort en 2005 -, Eduardo Paolozzi crée des collages à partir de couvertures de magazines, de personnages de bandes dessinées et de publicités, en provenance des Etats-Unis. Le début du Pop Art en Grande-Bretagne est ainsi alimenté par la culture populaire américaine vue de loin. UNE RÉBELLION CONTRE L'EXPRESSIONNISME ABSTRAIT PNFESSIONS POP! WI TRUE Le Pop Art puise son inspiration dans...

Con noi per un apprendimento più divertente

Aiuto per i compiti

Con la funzionalità Domande, è possibile porre domande e ricevere risposte da altri studenti in qualsiasi momento.

Imparare insieme

Unisciti a migliaia di studenti per condividere conoscenze, scambiare idee e aiutarvi a vicenda. Un'applicazione interattiva all-in-one.

Sicura e testata

Che si tratti di riassunti, esercizi o appunti delle lezioni, Knowunity garantisce che tutti i contenuti siano verificati e crea un ambiente di apprendimento sicuro a cui il vostro bambino può accedere in qualsiasi momento.

Scarica l'applicazione

Didascalia alternativa:

les images de la vie quotidienne urbaine, formatées (formattati) par les mass media et entre en réaction contre les avant-gardistes de l'école de New York. Ceux-ci, assimilés (simili) au mouvement de l'expressionnisme abstrait, comptent parmi ses membres Jackson Pollock et sa technique du dripping, laissant goutter de la peinture du bout d'un bâton (dalla punta di un bastone) sur la toile (tela). Mais aussi Mark Rothko peignant de larges bandes de couleurs invitant à la contemplation ou à la méditation. Le pop art est une rébellion contre l'expressionnisme abstrait (l'astrattismo americano è movimento artistico dove non si guarda più alla realtà ma si crea una nuova realtà grazie al colore, ad esempio Pollock che lasciava cadere il colore sulla tela. In Italia succede qualcosa di simile con l'arte informale, con molti dettagli in comune con l'astrattismo inglese), mais nous ne parlons pas de l'abstractisme de Kandinsky -par exemple-, mais d'un type d'abstraction différent. La société de consommation Le Pop Art cherche à sortir des objets ordinaires que sont les biens de consommation pour en faire des œuvres d'art. Richard Hamilton lance le Pop Art britannique en produisant pour l'exposition « This is tomorrow », le tableau Just What Is It that Makes Today's Homes So Different, So Appealing? (Au fait, qu'est-ce qui différencie et rend les foyers d'aujourd'hui si attirants ?). Quand on parle du Pop Art, on se réfère aussi à la société de consommation (le consommisme regarde la consommation pour faire des œuvres d'art, la même chose qui faisait les dadaïstes). I was a Rich Man's Plaything Ex-Mistress I Confess If this be Sin Woman of the Streets Daughter of Sin →Oeuvre de Richard Hamilton (just what is it..): nous voyons un homme sans vêtements.. Il y a aussi une femme en pin-up. Nous avons aussi des bande dessinées (fumetti). Il y a beaucoup de choses qui font référence à la publicité et aux magasins (en particulier la publicité américaine). Technique: il a utilisé le collage (quand on prend des images sur des magazines, puis ils deviennent part de l'œuvre) et l'assemblage (qui utilise la même technique utilisée par le cubisme synthétique et ses œuvres polimeratique). L'œuvre-collage est un condensé de l'attitude et de l'iconographie pop. Il met en scène un homme bodybuilder faisant la pause dans un salon. Il tient dans la main une sucette (lecca-lecca) surdimensionnée sur laquelle est inscrite « Pop ». Le titre de l'œuvre, comme l'image du salon contemporain, proviennent d'une publicité parue dans le Ladies Home Journal de juin 1955. L'homme est le vainqueur du concours Mr L.A. (monsieur Los Angeles) de 1954, une photo découpée (tagliata) dans l'édition de septembre de la même année du magazine Tomorrow's Man. L'escalier, le tableau au mur, le poste de télévision... sont aussi des découpages dans les journaux de l'époque. Sur le canapé, la photo d'une pin-up ; au mur, un poster d'une bande dessinée américaine Young Romance. Aux Etats-Unis, dans les années 1960, la publicité américaine fonctionne à un niveau très sophistiqué. Les artistes pop ont cherché dans la simplicité et la provocation ironique à se distancer de l' « art » des objets commerciaux bien pensés et réalisés. James Rosenquist s'est inspiré de la publicité pour le tabac, les boissons ou les voitures, comme dans sa peinture de 1961 I Love You with My Ford →(Je vous aime avec ma Ford). Cette peinture a été achevée (completata) par James Rosenquist en 1961, une époque où l'Amérique changeait dans toutes les catégories; la technologie, le consumérisme, la sexualité et la politique pour n'en citer que quelques-uns. Rosenquist a été influencé et a présenté toutes ces catégories dans son travail. THÈMES ET TECHNIQUES DU POP ART Les artistes pop, en utilisant des images populaires et de la vie quotidienne, ont naturellement pratiqué les techniques de collage et d'assemblage, déjà présentes chez les cubistes et les surréalistes. Comance Les premières œuvres du Pop Art britannique, celles de Paolozzi et Hamilton, sont des collages. Elles utilisent des publicités et d'autres images symboles de la société de consommation. Tom Wesselmann, l'un des représentants les plus connus du Pop Art américain avec Roy Lichtenstein et Andy Warhol, recourt aussi au collage et aux juxtapositions (accostamenti). Ses deux séries majeures, Great American nude (Grand nu féminin) et Still life (Nature morte) sont réalisées à partir de collages d'images découpées dans des magazines, mais aussi d'objets trouvés intégrés dans le tableau. Tom Wesselmann est une des représentantes les plus connues du pop art et il recourt au collage. Cet homme représente une cuisine avec un frigo, qui était très important dans quelle époque. Robert Indiana est un autre artiste important, qui utilise des images simples et iconique, qui se résument à des nombres et des mots courts comme Eat (Manger) ou Die (Mourir). Robert Indiana, Eat, Die. 1962 <<Manger» était le dernier mot que ma mère a dit avant de mourir. Et toute la série de peintures du diptyque << Eat-Die»> est liée à cette expérience spécifique. Le plus célèbre est Love (amour), dans les couleurs primaires rouge-vert-bleu. En 1973, la poste américaine le décline en timbre. L'image sera imprimée à 320 millions d'exemplaires. Indiana en a aussi tiré une sculpture monumentale au Love Park de Philadelphie et elle a été reproduite à New York, Madrid, et Tokyo. En 1973 la poste américaine a réalisé les timbres. Le tableau "love" de cet homme a été reproduit aussi sous forme d'une sculpture. EAT DIE O Andy Warhol est l'artiste le plus connu: il utilise un technique particulier qui s'appelle sérigraphies (une procédure de transposition photographique sur toile). Andy Warhol pratique les procédés de transposition photographique sur toile, utilisés pour ses premières sérigraphies sur les stars américaines, comme Liz Taylor ou Marilyn Monroe. La photographie utilisée est en noir et blanc, il colore le fond de la toile et ensuite imprime le visage de la star, de la manière la plus neutre possible en n'y mettant qu'un minimum de détails. Il le reproduit ensuite par sérigraphie, soit une impression qui utilise des pochoirs garantissant une couleur intense avec un fort dépôt d'encre (inchiostro). Dans son studio il avait un canapé rouge. Il était passionné aussi à la musique, pas seulement à l'art: il a réalisé aussi la couverture d'un groupe rock (The velvet underground and Nico). Nico a ète una femme qui était aussi une modele pour les artistes: Wharol a representè beaucoup de ces groupes. Warhol était touché à tout : producteur de musique, réalisateur de films, photographe. Le photographe Gérard Malanga était son bras droit de 1963 à 1970. Plus tard, en 1980, à New York, Warhol découvre un autre photographe, David LaChapelle dont nombre de ses photos sont des compositions répondant aux caractéristiques du Pop Art : il détourne des symboles comme McDonald's ou Coca-Cola dans des mises en scène très complexes, avec des couleurs éclatantes à la limite de la saturation. ANDY WARHOL (1928-1987) De son vrai nom Andrew Warhola (son père émigre de l'Europe de l'Est vers les Etats-unis en 1914), il obtient son diplôme de Bachelor of Fine Arts au Carnegie Institute of Technology de Pittsburgh en 1949. La même année, il débute comme dessinateur publicitaire à New York pour le magazine Glamour. Brillant publicitaire, il intègre (entra a far parte) la scène avant-gardiste new-yorkaise dans les années 1950. En 1962, l'exposition The New Realists à New York réunit précurseurs du Pop Art (Andy Warhol, Roy Lichtenstein...) et nouveaux réalistes français dont Yves Klein. En novembre de la même année, Andy Warhol s'expose en solo à la galerie Eleanor Ward's Stable, avec ses premières peintures iconiques inspirées de l'univers de la consommation (100 Soup Cans, 100 Coke Bottles et 100 Dollar Bills) et celui des stars et célébrités (Marilyn Monroe). Artiste du Pop Art, il devient une figure de la contre culture et de la scène underground de New York. En 1964, il ouvre sur la 47ª rue sa Factory, un loft qui draine (convoglia) écrivains, musiciens, artistes, célébrités et aussi anonymes de la vie nocturne new-yorkaise. Découvreur de talents, faisant de lui-même un personnage « pop », il touche à tous les arts du moment : peintre, graphiste-photographe, réalisateur de films avant-gardistes, producteur de musique, éditeur de magazine... En 1968, il réchappe aux coups de pistolet tirés par une militante féministe, Valerie Solanas, dans le hall de La Factory. Il devra jusqu'à la fin de sa vie porter un corset. Surnommé le « Pape du pop »>, Andy Warhol laisse une œuvre picturale prolifique, autour de deux grands axes : les produits de marque, interrogeant la société de consommation et les célébrités, travaillant sur le stéréotype dans l'image et son obsession du vide et de la mort. MARILYN Le 5 août 1962, la star hollywoodienne et icône Marilyn Monroe meurt. En novembre de la même année, Andy Warhol expose sa sérigraphie sur Marilyn. Il dira : « plus on regarde exactement la même chose, plus elle perd tout son sens, et plus on se sent bien, avec la tête vide ». Warhol utilise l'image d'une femme déjà mythifiée. Il met en scène un seul visuel fort en symbole, qu'il reproduit et décline grâce à la sérigraphie, technique d'imprimerie à laquelle il donne ses lettres de noblesse. A partir d'une photo, il accentue en Marylin ce qui en fait une pin-up - la blondeur, le maquillage des yeux, les lèvres rouges —, puis la décline en noir et blanc, jusqu'à l'effacement. Par l'assemblage sur une même toile d'une série couleur et d'une série noir et blanc, Andy Warhol semble révéler, en parallèle avec la mort de la star, la mort de l’image. Ces artistes en général ne représentent pas sois mêmes mais il est quelque chose de neutral. C'est un mouvement sans frontières qui a créé un dialogue avec le design. L'un des traits caractéristiques du Pop Art, art conceptuel, a été l'instauration d'un dialogue avec le design. Dès les années 1930, des designers comme Raymond Loewy aux États-Unis ont donné une place centrale à la publicité et à l'image dans leur création. Andy Warhol et Robert Rauschenberg viennent d'un univers proche, le premier comme dessinateur publicitaire et ponctuellement décorateur de vitrines, le second comme étalagiste-décorateur. L'Independent Group, à l'origine du Pop Art britannique, cherche les corrélations entre architecture, design, technologies. Dans sa Factory, dont les murs sont redécorés par le photographe Billy Name en les recouvrant de papier aluminium, Andy Warhol fait trôner un canapé rouge... récupéré par Billy Name lors d'une balade nocturne dans les rues newyorkaises. Le Pop Art a coïncidé avec le phénomène des années 1950 et 1960 de la Pop music. Le terme recouvre ce qui est commercial, populaire et dérivé du rock'n'roll. Les Beatles en devient le groupe emblématique. Les figures plus « rocks », comme les Rolling Stones ou Patti Smith, sont rassemblées sous le terme Pop rock. Warhol était un artiste de l'est Europe. En 1962 il participe à l'exposition The New Realists à New York. Il ouv aussi son Factory, un loft où il se trouvent les écrivaines, musiciens et beaucoup d'artistes Roy Lichtenstein: il utilise beaucoup le style des bandes dessinées (créé avec un ensemble des beaucoup des points, comme faisaient les pointillistes, infatti sono chiamati les points Ben-Day). Il est un américain et qui enseigne -en 1960- dans une université de New York. Roy Lichtenstein développe, avec une lente et patiente technique, un style basé sur l'aspect visuel de la bande dessinée : couleurs vives, contours noirs et méthode d'impression utilisée dans la bande dessinée. Il a aussi peint Donald Duck and Mickey Mouse avec la couleur rouge, jeune et bleue. Roy Lichtenstein (1923 - 1997). Roy Lichtenstein étudie l'art à l'Art's Students League de New York, puis surtout à l'université de l'Ohio à Columbus. Il se rapproche de New York au début des années 1960, en enseignant à l'université Rutgers de l'Etat du New Jersey. Il participe pleinement à l'éclosion (nascita) du Pop Art américain en puisant son inspiration dans les très populaires comics (bande-dessinées), dont il pousse (spinge) encore plus loin le stéréotype des objets et des sentiments humains : Look Mickey en 1961, Whaam! en 1963. Le tableau est un agrandissement d'une image de bande dessinée : par sa méthode du Ben-Day (du nom de la technique d'impression qui consiste à reproduire sur papier une série de points), il imite le procédé dépersonnalisé de la production en série à la recherche de la plus grande neutralité. L'utilisation d'images symboles véhiculées par les comics (héroïnes blondes, crash de voitures,...), de bulles de dialogue, mots et expressions isolés (I know... Brad, 1963, Brushstroke, 1965) donne une grande puissance ironique à ses tableaux. LOOK MICKEY: En 1961, Roy Lichtenstein a l'idée de peindre l'agrandissement d'une image de bande dessinée du magazine pour enfants Donald Duck Lost and Found: elle montre deux « stars » de Walt Disney, Donald Duck et Mickey Mouse, lors d'une partie de pêche. Dès son Look Mickey (Regarde Mickey), Lichtenstein utilise sa technique caractéristique de ses œuvres inspirées des comics: contours épais et couleurs primaires, les points Ben-Day. Roy Lichtenstein revendique son « art commercial » et sa « neutralité », au moment où la peinture américaine est encore dominée par l'expressionnisme abstrait d'un Jackson Pollock ou d'un Mark Rothko. Avec Mickey et Donal Duck, il donne à la culture populaire américaine ses lettres de noblesse et devient l'un des artistes majeurs du Pop Art : << Personnellement, je pense que dans mon travail je voulais sembler comme programmé ou impersonnel, mais je ne crois pas vraiment que je suis impersonnel quand je le fais. Et je ne pense pas que vous puissiez le faire ». Le Japon: Kusama avait participé au mouvement de pop-art, aussi au Japon nous trouvons ces artistes. Le Japon a été le phare asiatique du Pop Art. L'artiste Yayoi Kusama a participé à l'émergence du mouvement en s'installant à New York en 1957, avant de retourner au Japon en 1973 et de devenir une figure majeure de l'avant-garde culturelle. Le graphiste designer et peintre Tadanori Yokoo est devenu, à partir du milieu des années 1960, le symbole international du Pop Art japonais. LOOK MICKEY, I'VE HOOKED A BIG ONE!!! Nous les trouvons aussi en Italie: les années 60 étaient caractérisées par le boom économique, quand il y avait un grand développement par exemple dans le voiture. Ce sont les artistes de la Piazza del Popolo, par exemple Mario Schifano et Giosetta Fioroni. En Italie, le pop art américain est accueilli avec enthousiasme par un groupe de jeunes artistes, qui interprètent des images quotidiennes du contexte urbain, du boom économique, de notre patrimoine artistique historique, du monde du cinéma et de la publicité en termes plus cultivés et conceptuels. Ce sont les artistes de la Piazza del Popolo: Mario Schifano, Tano Festa, Mimmo Rotella, Giosetta Fioroni. Ils sont repris à Milan par les artistes liés au Studio Marconi: Baj, Emilio Tadini, Lucio del Pezzo. Ces artistes étaient importants car chacun d'eux représentait la réponse italienne à la crise de l'art informel, interprétant les influences étrangères de manière originale et autonome. Chacun représentait pleinement les ferments culturels de l'Italie de la "dolce vita", du boom économique, de ce moment crucial de l'évolution de la société et des coutumes italiennes des années 1960. Ils n'ont pas accepté passivement la mode américaine, mais l'ont interprétée en puisant dans le riche patrimoine culturel national, à plusieurs reprises en inventant de nouvelles techniques de fabrication - comme le décollage de Mimmo Rotella - ou en créant de nouvelles icônes. Mimmo Rotella a créé un peintre de Marylin Monroe: elle était l'amante du président Kennedy mais elle était beaucoup représentée parce qu'elle était très belle. Les artistes italiens sont contre l'art informel. Rotella, avec Monroe, représente la "dolce vita” italienne: les personnes peuvent voyager, c'est -en général- un style de vie nait depuis le boom économique qui a beaucoup changé les habitudes des habitants. Aussi Warhol expose une sérigraphie qui représente la star hollywoodienne Marilyn Monroe: il pose son attention sur les lèvres (labbra) e le cheveux de la femme. Nouveau réalisme français: il est similaire au pop art américaine mais ce n'est pas la même chose. NOUVEAU RÉALISME : POP ART EN FRANCE Si le Pop Art naît d'abord en Angleterre dans les années cinquante par le travail de Richard Hamilton et d'Eduardo Paolozzi pour ensuite exploser aux États-Unis, la France n'est pas restée en arrière non plus. Le nouveau réalisme est apparenté au pop art et, comme lui, s'inspire de la réalité quotidienne et du monde de la publicité en réalisant des assemblages et des collages pour prendre l'abstraction à contrepied. Si les deux mouvements peuvent être associés, le nouveau réalisme n'est cependant (invece) pas une adaptation française du mouvement anglophone. Les deux courants apparaissent à la même époque, dans les années soixante. Un artiste important est Yves Klein, qui utilise surtout le bleu. Ha preso delle modelle che si sono rotolate sul colore blu per poi mettersi sulla tela e lasciare la loro forma. Le nouveau réalisme est un groupe d'artistes rassemblés sous l'idée d'Yves Klein, artiste peintre, et de Pierre Restany, critique d'art. L'appellation << Nouveau réalisme » naît sous la plume de Restany pour qualifier une exposition à Milan regroupant des artistes comme Arman, Tinguely ou Yves Klein. Le groupe utilise des objets de consommation de la vie quotidienne et les utilise comme matériel pour en faire des symboles, pour les voir sous un autre jour. Ils utilisent du béton (calcestruzzo), de la tôle (lamiera), du ciment et d'autres matériaux industriels. Le travail du groupe sera souvent réalisé de manière collective, mais avec des techniques différentes. Accumulation, compression, lacérations d'affiches, assemblage d'objets courants ou encore sculptures autodestructives ; les techniques d'approche du nouveau réalisme sont variées. Jean Tinguely crée des sculptures en assemblant des objets du quotidien comme des jouets et des objets en plastique possédant une pédale de commande qui, lorsqu'elle est déclenchée, agite en tout sens la sculpture. Parmi les plus connus, et bien qu'il se détache du groupe très tôt, Yves Klein est un des fondateurs du nouveau réalisme. Son œuvre la plus connue est le Monochrome bleu qu'il transforme en objet de culte et dépose même un brevet de sa couleur bleue sous le nom d'IBK.

Francese /

Le Pop Art en français

user profile picture

Arianna's Study 🌸💗  

Seguire

319 Followers

 Le Pop Art
C'est un mouvement artistique né en Grand Bretagne dans le milieu des années 1950 (alimenté aussi par la
culture américaine). Le

Aprire l'app

-LE « POP » ANGLAIS -UNE RÉBELLION CONTRE L’EXPRESSIONNISME ABSTRAIT -La société de consommation -THÈMES ET TECHNIQUES DU POP ART -Andy Warhol (sérigraphie sur Marilyn) -Roy Lichtenstein -Les Artistes en Japon -NOUVEAU RÉALISME

Contenuti simili

user profile picture

2

Le Pernasse: Gautier e Heredia

Know Le Pernasse: Gautier e Heredia  thumbnail

2

 

5ªl

user profile picture

1

Charles et Rodolphe- Mme Bovary

Know Charles et Rodolphe- Mme Bovary thumbnail

0

 

3ªl/4ªl/5ªl

user profile picture

11

Réalisme

Know Réalisme thumbnail

4

 

5ªl

user profile picture

2

François René

Know François René  thumbnail

15

 

5ªl

Le Pop Art C'est un mouvement artistique né en Grand Bretagne dans le milieu des années 1950 (alimenté aussi par la culture américaine). Le mot "Pop art" est une abréviation de "popular art" et il a été prononcé pour la premier fois en 1955 par Lawrence Alloway, un critique d'art anglais membre de l'Independent Group, un groupe réunissant architectes, artistes et intellectuels, créé au sein (all'interno) de l'Institut d'art contemporain de Londres. A L'ORIGINE, LE « POP » ANGLAIS Eduardo Paolozzi, artiste et co-fondateur du groupe, créé en 1947 un collage intitulé "I was a Rich Man's Plaything" (J'étais le jouet d'un homme riche) où il fait apparaître le mot « Pop » dans un nuage de fumée (nuvola di fumo) sortant d'un revolver (pistola), c' est la première fois que nous voyons ce mot). Cet homme est connu surtout pour ses sculptures: - il fut le sculpteur officiel de la Reine d'Angleterre de 1986 jusqu'à sa mort en 2005 -, Eduardo Paolozzi crée des collages à partir de couvertures de magazines, de personnages de bandes dessinées et de publicités, en provenance des Etats-Unis. Le début du Pop Art en Grande-Bretagne est ainsi alimenté par la culture populaire américaine vue de loin. UNE RÉBELLION CONTRE L'EXPRESSIONNISME ABSTRAIT PNFESSIONS POP! WI TRUE Le Pop Art puise son inspiration dans...

Non c'è niente di adatto? Esplorare altre aree tematiche.

Con noi per un apprendimento più divertente

Aiuto per i compiti

Con la funzionalità Domande, è possibile porre domande e ricevere risposte da altri studenti in qualsiasi momento.

Imparare insieme

Unisciti a migliaia di studenti per condividere conoscenze, scambiare idee e aiutarvi a vicenda. Un'applicazione interattiva all-in-one.

Sicura e testata

Che si tratti di riassunti, esercizi o appunti delle lezioni, Knowunity garantisce che tutti i contenuti siano verificati e crea un ambiente di apprendimento sicuro a cui il vostro bambino può accedere in qualsiasi momento.

Scarica l'applicazione

Knowunity

La Scuola Resa Facile

Aprire l'app

Didascalia alternativa:

les images de la vie quotidienne urbaine, formatées (formattati) par les mass media et entre en réaction contre les avant-gardistes de l'école de New York. Ceux-ci, assimilés (simili) au mouvement de l'expressionnisme abstrait, comptent parmi ses membres Jackson Pollock et sa technique du dripping, laissant goutter de la peinture du bout d'un bâton (dalla punta di un bastone) sur la toile (tela). Mais aussi Mark Rothko peignant de larges bandes de couleurs invitant à la contemplation ou à la méditation. Le pop art est une rébellion contre l'expressionnisme abstrait (l'astrattismo americano è movimento artistico dove non si guarda più alla realtà ma si crea una nuova realtà grazie al colore, ad esempio Pollock che lasciava cadere il colore sulla tela. In Italia succede qualcosa di simile con l'arte informale, con molti dettagli in comune con l'astrattismo inglese), mais nous ne parlons pas de l'abstractisme de Kandinsky -par exemple-, mais d'un type d'abstraction différent. La société de consommation Le Pop Art cherche à sortir des objets ordinaires que sont les biens de consommation pour en faire des œuvres d'art. Richard Hamilton lance le Pop Art britannique en produisant pour l'exposition « This is tomorrow », le tableau Just What Is It that Makes Today's Homes So Different, So Appealing? (Au fait, qu'est-ce qui différencie et rend les foyers d'aujourd'hui si attirants ?). Quand on parle du Pop Art, on se réfère aussi à la société de consommation (le consommisme regarde la consommation pour faire des œuvres d'art, la même chose qui faisait les dadaïstes). I was a Rich Man's Plaything Ex-Mistress I Confess If this be Sin Woman of the Streets Daughter of Sin →Oeuvre de Richard Hamilton (just what is it..): nous voyons un homme sans vêtements.. Il y a aussi une femme en pin-up. Nous avons aussi des bande dessinées (fumetti). Il y a beaucoup de choses qui font référence à la publicité et aux magasins (en particulier la publicité américaine). Technique: il a utilisé le collage (quand on prend des images sur des magazines, puis ils deviennent part de l'œuvre) et l'assemblage (qui utilise la même technique utilisée par le cubisme synthétique et ses œuvres polimeratique). L'œuvre-collage est un condensé de l'attitude et de l'iconographie pop. Il met en scène un homme bodybuilder faisant la pause dans un salon. Il tient dans la main une sucette (lecca-lecca) surdimensionnée sur laquelle est inscrite « Pop ». Le titre de l'œuvre, comme l'image du salon contemporain, proviennent d'une publicité parue dans le Ladies Home Journal de juin 1955. L'homme est le vainqueur du concours Mr L.A. (monsieur Los Angeles) de 1954, une photo découpée (tagliata) dans l'édition de septembre de la même année du magazine Tomorrow's Man. L'escalier, le tableau au mur, le poste de télévision... sont aussi des découpages dans les journaux de l'époque. Sur le canapé, la photo d'une pin-up ; au mur, un poster d'une bande dessinée américaine Young Romance. Aux Etats-Unis, dans les années 1960, la publicité américaine fonctionne à un niveau très sophistiqué. Les artistes pop ont cherché dans la simplicité et la provocation ironique à se distancer de l' « art » des objets commerciaux bien pensés et réalisés. James Rosenquist s'est inspiré de la publicité pour le tabac, les boissons ou les voitures, comme dans sa peinture de 1961 I Love You with My Ford →(Je vous aime avec ma Ford). Cette peinture a été achevée (completata) par James Rosenquist en 1961, une époque où l'Amérique changeait dans toutes les catégories; la technologie, le consumérisme, la sexualité et la politique pour n'en citer que quelques-uns. Rosenquist a été influencé et a présenté toutes ces catégories dans son travail. THÈMES ET TECHNIQUES DU POP ART Les artistes pop, en utilisant des images populaires et de la vie quotidienne, ont naturellement pratiqué les techniques de collage et d'assemblage, déjà présentes chez les cubistes et les surréalistes. Comance Les premières œuvres du Pop Art britannique, celles de Paolozzi et Hamilton, sont des collages. Elles utilisent des publicités et d'autres images symboles de la société de consommation. Tom Wesselmann, l'un des représentants les plus connus du Pop Art américain avec Roy Lichtenstein et Andy Warhol, recourt aussi au collage et aux juxtapositions (accostamenti). Ses deux séries majeures, Great American nude (Grand nu féminin) et Still life (Nature morte) sont réalisées à partir de collages d'images découpées dans des magazines, mais aussi d'objets trouvés intégrés dans le tableau. Tom Wesselmann est une des représentantes les plus connues du pop art et il recourt au collage. Cet homme représente une cuisine avec un frigo, qui était très important dans quelle époque. Robert Indiana est un autre artiste important, qui utilise des images simples et iconique, qui se résument à des nombres et des mots courts comme Eat (Manger) ou Die (Mourir). Robert Indiana, Eat, Die. 1962 <<Manger» était le dernier mot que ma mère a dit avant de mourir. Et toute la série de peintures du diptyque << Eat-Die»> est liée à cette expérience spécifique. Le plus célèbre est Love (amour), dans les couleurs primaires rouge-vert-bleu. En 1973, la poste américaine le décline en timbre. L'image sera imprimée à 320 millions d'exemplaires. Indiana en a aussi tiré une sculpture monumentale au Love Park de Philadelphie et elle a été reproduite à New York, Madrid, et Tokyo. En 1973 la poste américaine a réalisé les timbres. Le tableau "love" de cet homme a été reproduit aussi sous forme d'une sculpture. EAT DIE O Andy Warhol est l'artiste le plus connu: il utilise un technique particulier qui s'appelle sérigraphies (une procédure de transposition photographique sur toile). Andy Warhol pratique les procédés de transposition photographique sur toile, utilisés pour ses premières sérigraphies sur les stars américaines, comme Liz Taylor ou Marilyn Monroe. La photographie utilisée est en noir et blanc, il colore le fond de la toile et ensuite imprime le visage de la star, de la manière la plus neutre possible en n'y mettant qu'un minimum de détails. Il le reproduit ensuite par sérigraphie, soit une impression qui utilise des pochoirs garantissant une couleur intense avec un fort dépôt d'encre (inchiostro). Dans son studio il avait un canapé rouge. Il était passionné aussi à la musique, pas seulement à l'art: il a réalisé aussi la couverture d'un groupe rock (The velvet underground and Nico). Nico a ète una femme qui était aussi une modele pour les artistes: Wharol a representè beaucoup de ces groupes. Warhol était touché à tout : producteur de musique, réalisateur de films, photographe. Le photographe Gérard Malanga était son bras droit de 1963 à 1970. Plus tard, en 1980, à New York, Warhol découvre un autre photographe, David LaChapelle dont nombre de ses photos sont des compositions répondant aux caractéristiques du Pop Art : il détourne des symboles comme McDonald's ou Coca-Cola dans des mises en scène très complexes, avec des couleurs éclatantes à la limite de la saturation. ANDY WARHOL (1928-1987) De son vrai nom Andrew Warhola (son père émigre de l'Europe de l'Est vers les Etats-unis en 1914), il obtient son diplôme de Bachelor of Fine Arts au Carnegie Institute of Technology de Pittsburgh en 1949. La même année, il débute comme dessinateur publicitaire à New York pour le magazine Glamour. Brillant publicitaire, il intègre (entra a far parte) la scène avant-gardiste new-yorkaise dans les années 1950. En 1962, l'exposition The New Realists à New York réunit précurseurs du Pop Art (Andy Warhol, Roy Lichtenstein...) et nouveaux réalistes français dont Yves Klein. En novembre de la même année, Andy Warhol s'expose en solo à la galerie Eleanor Ward's Stable, avec ses premières peintures iconiques inspirées de l'univers de la consommation (100 Soup Cans, 100 Coke Bottles et 100 Dollar Bills) et celui des stars et célébrités (Marilyn Monroe). Artiste du Pop Art, il devient une figure de la contre culture et de la scène underground de New York. En 1964, il ouvre sur la 47ª rue sa Factory, un loft qui draine (convoglia) écrivains, musiciens, artistes, célébrités et aussi anonymes de la vie nocturne new-yorkaise. Découvreur de talents, faisant de lui-même un personnage « pop », il touche à tous les arts du moment : peintre, graphiste-photographe, réalisateur de films avant-gardistes, producteur de musique, éditeur de magazine... En 1968, il réchappe aux coups de pistolet tirés par une militante féministe, Valerie Solanas, dans le hall de La Factory. Il devra jusqu'à la fin de sa vie porter un corset. Surnommé le « Pape du pop »>, Andy Warhol laisse une œuvre picturale prolifique, autour de deux grands axes : les produits de marque, interrogeant la société de consommation et les célébrités, travaillant sur le stéréotype dans l'image et son obsession du vide et de la mort. MARILYN Le 5 août 1962, la star hollywoodienne et icône Marilyn Monroe meurt. En novembre de la même année, Andy Warhol expose sa sérigraphie sur Marilyn. Il dira : « plus on regarde exactement la même chose, plus elle perd tout son sens, et plus on se sent bien, avec la tête vide ». Warhol utilise l'image d'une femme déjà mythifiée. Il met en scène un seul visuel fort en symbole, qu'il reproduit et décline grâce à la sérigraphie, technique d'imprimerie à laquelle il donne ses lettres de noblesse. A partir d'une photo, il accentue en Marylin ce qui en fait une pin-up - la blondeur, le maquillage des yeux, les lèvres rouges —, puis la décline en noir et blanc, jusqu'à l'effacement. Par l'assemblage sur une même toile d'une série couleur et d'une série noir et blanc, Andy Warhol semble révéler, en parallèle avec la mort de la star, la mort de l’image. Ces artistes en général ne représentent pas sois mêmes mais il est quelque chose de neutral. C'est un mouvement sans frontières qui a créé un dialogue avec le design. L'un des traits caractéristiques du Pop Art, art conceptuel, a été l'instauration d'un dialogue avec le design. Dès les années 1930, des designers comme Raymond Loewy aux États-Unis ont donné une place centrale à la publicité et à l'image dans leur création. Andy Warhol et Robert Rauschenberg viennent d'un univers proche, le premier comme dessinateur publicitaire et ponctuellement décorateur de vitrines, le second comme étalagiste-décorateur. L'Independent Group, à l'origine du Pop Art britannique, cherche les corrélations entre architecture, design, technologies. Dans sa Factory, dont les murs sont redécorés par le photographe Billy Name en les recouvrant de papier aluminium, Andy Warhol fait trôner un canapé rouge... récupéré par Billy Name lors d'une balade nocturne dans les rues newyorkaises. Le Pop Art a coïncidé avec le phénomène des années 1950 et 1960 de la Pop music. Le terme recouvre ce qui est commercial, populaire et dérivé du rock'n'roll. Les Beatles en devient le groupe emblématique. Les figures plus « rocks », comme les Rolling Stones ou Patti Smith, sont rassemblées sous le terme Pop rock. Warhol était un artiste de l'est Europe. En 1962 il participe à l'exposition The New Realists à New York. Il ouv aussi son Factory, un loft où il se trouvent les écrivaines, musiciens et beaucoup d'artistes Roy Lichtenstein: il utilise beaucoup le style des bandes dessinées (créé avec un ensemble des beaucoup des points, comme faisaient les pointillistes, infatti sono chiamati les points Ben-Day). Il est un américain et qui enseigne -en 1960- dans une université de New York. Roy Lichtenstein développe, avec une lente et patiente technique, un style basé sur l'aspect visuel de la bande dessinée : couleurs vives, contours noirs et méthode d'impression utilisée dans la bande dessinée. Il a aussi peint Donald Duck and Mickey Mouse avec la couleur rouge, jeune et bleue. Roy Lichtenstein (1923 - 1997). Roy Lichtenstein étudie l'art à l'Art's Students League de New York, puis surtout à l'université de l'Ohio à Columbus. Il se rapproche de New York au début des années 1960, en enseignant à l'université Rutgers de l'Etat du New Jersey. Il participe pleinement à l'éclosion (nascita) du Pop Art américain en puisant son inspiration dans les très populaires comics (bande-dessinées), dont il pousse (spinge) encore plus loin le stéréotype des objets et des sentiments humains : Look Mickey en 1961, Whaam! en 1963. Le tableau est un agrandissement d'une image de bande dessinée : par sa méthode du Ben-Day (du nom de la technique d'impression qui consiste à reproduire sur papier une série de points), il imite le procédé dépersonnalisé de la production en série à la recherche de la plus grande neutralité. L'utilisation d'images symboles véhiculées par les comics (héroïnes blondes, crash de voitures,...), de bulles de dialogue, mots et expressions isolés (I know... Brad, 1963, Brushstroke, 1965) donne une grande puissance ironique à ses tableaux. LOOK MICKEY: En 1961, Roy Lichtenstein a l'idée de peindre l'agrandissement d'une image de bande dessinée du magazine pour enfants Donald Duck Lost and Found: elle montre deux « stars » de Walt Disney, Donald Duck et Mickey Mouse, lors d'une partie de pêche. Dès son Look Mickey (Regarde Mickey), Lichtenstein utilise sa technique caractéristique de ses œuvres inspirées des comics: contours épais et couleurs primaires, les points Ben-Day. Roy Lichtenstein revendique son « art commercial » et sa « neutralité », au moment où la peinture américaine est encore dominée par l'expressionnisme abstrait d'un Jackson Pollock ou d'un Mark Rothko. Avec Mickey et Donal Duck, il donne à la culture populaire américaine ses lettres de noblesse et devient l'un des artistes majeurs du Pop Art : << Personnellement, je pense que dans mon travail je voulais sembler comme programmé ou impersonnel, mais je ne crois pas vraiment que je suis impersonnel quand je le fais. Et je ne pense pas que vous puissiez le faire ». Le Japon: Kusama avait participé au mouvement de pop-art, aussi au Japon nous trouvons ces artistes. Le Japon a été le phare asiatique du Pop Art. L'artiste Yayoi Kusama a participé à l'émergence du mouvement en s'installant à New York en 1957, avant de retourner au Japon en 1973 et de devenir une figure majeure de l'avant-garde culturelle. Le graphiste designer et peintre Tadanori Yokoo est devenu, à partir du milieu des années 1960, le symbole international du Pop Art japonais. LOOK MICKEY, I'VE HOOKED A BIG ONE!!! Nous les trouvons aussi en Italie: les années 60 étaient caractérisées par le boom économique, quand il y avait un grand développement par exemple dans le voiture. Ce sont les artistes de la Piazza del Popolo, par exemple Mario Schifano et Giosetta Fioroni. En Italie, le pop art américain est accueilli avec enthousiasme par un groupe de jeunes artistes, qui interprètent des images quotidiennes du contexte urbain, du boom économique, de notre patrimoine artistique historique, du monde du cinéma et de la publicité en termes plus cultivés et conceptuels. Ce sont les artistes de la Piazza del Popolo: Mario Schifano, Tano Festa, Mimmo Rotella, Giosetta Fioroni. Ils sont repris à Milan par les artistes liés au Studio Marconi: Baj, Emilio Tadini, Lucio del Pezzo. Ces artistes étaient importants car chacun d'eux représentait la réponse italienne à la crise de l'art informel, interprétant les influences étrangères de manière originale et autonome. Chacun représentait pleinement les ferments culturels de l'Italie de la "dolce vita", du boom économique, de ce moment crucial de l'évolution de la société et des coutumes italiennes des années 1960. Ils n'ont pas accepté passivement la mode américaine, mais l'ont interprétée en puisant dans le riche patrimoine culturel national, à plusieurs reprises en inventant de nouvelles techniques de fabrication - comme le décollage de Mimmo Rotella - ou en créant de nouvelles icônes. Mimmo Rotella a créé un peintre de Marylin Monroe: elle était l'amante du président Kennedy mais elle était beaucoup représentée parce qu'elle était très belle. Les artistes italiens sont contre l'art informel. Rotella, avec Monroe, représente la "dolce vita” italienne: les personnes peuvent voyager, c'est -en général- un style de vie nait depuis le boom économique qui a beaucoup changé les habitudes des habitants. Aussi Warhol expose une sérigraphie qui représente la star hollywoodienne Marilyn Monroe: il pose son attention sur les lèvres (labbra) e le cheveux de la femme. Nouveau réalisme français: il est similaire au pop art américaine mais ce n'est pas la même chose. NOUVEAU RÉALISME : POP ART EN FRANCE Si le Pop Art naît d'abord en Angleterre dans les années cinquante par le travail de Richard Hamilton et d'Eduardo Paolozzi pour ensuite exploser aux États-Unis, la France n'est pas restée en arrière non plus. Le nouveau réalisme est apparenté au pop art et, comme lui, s'inspire de la réalité quotidienne et du monde de la publicité en réalisant des assemblages et des collages pour prendre l'abstraction à contrepied. Si les deux mouvements peuvent être associés, le nouveau réalisme n'est cependant (invece) pas une adaptation française du mouvement anglophone. Les deux courants apparaissent à la même époque, dans les années soixante. Un artiste important est Yves Klein, qui utilise surtout le bleu. Ha preso delle modelle che si sono rotolate sul colore blu per poi mettersi sulla tela e lasciare la loro forma. Le nouveau réalisme est un groupe d'artistes rassemblés sous l'idée d'Yves Klein, artiste peintre, et de Pierre Restany, critique d'art. L'appellation << Nouveau réalisme » naît sous la plume de Restany pour qualifier une exposition à Milan regroupant des artistes comme Arman, Tinguely ou Yves Klein. Le groupe utilise des objets de consommation de la vie quotidienne et les utilise comme matériel pour en faire des symboles, pour les voir sous un autre jour. Ils utilisent du béton (calcestruzzo), de la tôle (lamiera), du ciment et d'autres matériaux industriels. Le travail du groupe sera souvent réalisé de manière collective, mais avec des techniques différentes. Accumulation, compression, lacérations d'affiches, assemblage d'objets courants ou encore sculptures autodestructives ; les techniques d'approche du nouveau réalisme sont variées. Jean Tinguely crée des sculptures en assemblant des objets du quotidien comme des jouets et des objets en plastique possédant une pédale de commande qui, lorsqu'elle est déclenchée, agite en tout sens la sculpture. Parmi les plus connus, et bien qu'il se détache du groupe très tôt, Yves Klein est un des fondateurs du nouveau réalisme. Son œuvre la plus connue est le Monochrome bleu qu'il transforme en objet de culte et dépose même un brevet de sa couleur bleue sous le nom d'IBK.