Didascalia alternativa:

in corrispondenza al capo dell'uomo. La figura, vestita molto scura, è molto decorata e adornata. Questo denota un determinato status sociale. Allo stesso tempo però è affaticato e lo si può notare dal fatto che si poggia su un bastone. La nebbia è molto fitta e in movimento, e nasconde all'osservatore tutto ciò che è nascosto da essa, tutto ciò che non riesce a uscire dalla foschia.. Nonostante questo elemento, le punte delle montagne sono scoperte e si può notare su di essere la presenza di vegetazione. Il colore del cielo si confonde con il colore utilizzato per rappresentare la freddezza della nebbia. I colori prevalentemente utilizzati sono infatti quelli freddi, sia l'azzurro per il vento e il cielo, sia il marrone per le montagne. Risultano subito i capelli biondi dell'uomo, mossi dal vento. La figura dell'uomo è rappresentata con grande precisione e tecnica, elemento che non si ritrova nello sfondo In questa opera spicca il tema del sublime infinito (qualcosa di così ampio e meraviglioso da sentirsi sovrastati da esso). Il viandante infatti non osserva solo il paesaggio, ma osserva la sua infinità, la sua grandezza e la sua potenza, rappresentata dal movimento del vento e della nebbia. La solitudine oltretutto è fondamentale, nessun paesaggio urbano e nessuna presenza altri esseri: l'uomo è obbligato a pensare e perdersi nei propri ricordi. Essi sono fondamentali per crescere e ciò dimostra come il percorso fatto alla fine porti a vedere la bellezza di quello che si ha davanti 2). Constable - IL CARRO DI FIENO L'opera fa parte della pittura del paesaggio del periodo romantico, nonostante si distacchi dalle rappresentazioni tradizionali per la precisione dei dettagli. In primo piano è rappresentato un carro trainato da due cavalli e due uomini che tentano di attraversare uno specchio d'acqua. Subito dopo questa scena sono presenti una casa, un bosco e una campagna inglese. Il cielo presenta elementi contrastanti: nonostante il paesaggio, seppure a pezzi, sembri illuminato dalla luce del sole, in aria sta avvenendo un cambiamento metereologico, pre-annunciato dalle nuvole. L'acqua, elemento fondamentale che lega tutti gli elementi tra di loro poiché non ci sono linee precise che esaltino gli spazi, è stata rappresentata i due diversi modi che coesistono: parzialmente riflette gli alberi e le nuvole, mentre parzialmente rimane più opaca e scura, come ad indicare la presenza di melma sottostante. Il dipinto fornisce pressione all'osservatore, nel primo caso poiché l'ombra del bosco.crea una tensione psicologica e nel secondo caso poiché se si alza lo sguardo al cielo ci si rende conto dell'arrivo imminente della tempesta. Il cambiamento è parte fondamentale del dipinto, sia per le condizioni meteorologiche e paesaggistiche, sia per l'industrializzazione che avviene in Inghilterra in quel periodo: la campagna sul retro verrà presto rimpiazzata da grandi industrie. 3) Turner TEMPESTA DI NEVE: ANNIBALE E IL SUO ESERCITO ATTRAVERSO LE ALPI. L'opera è divisa in due scene: quella in primo piano, nel quale sono raffigurati gli uomini in uno spazio ben preciso, e quella retrostante, nella quale è rappresentato il cielo, astratto e molto confusionario, che rende indistinguibili le forme delle montagne. I soldati dell'esercito di Annibale sono raffigurati nell'esatto momento nel quale tentano di attraversare la catena montuosa, fino a perdersi nella nebbia della tempesta. Il cielo crea un grande senso di inquietudine, molto confusionario e rappresentato da toni molto scuri, tutti elementi che indicano la potenza distruttiva della natura, la sua imprevedibilità e la piccolezza dell'uomo rispetto ad essa. In questo dipinto non c'è una vera è propria tecnica: gli uomini sono definiti, ma non in maniera precisa, sono quasi invisibili. Come il sole, che rappresenta la presenza di una speranza, che a breve verrà comunque persa. L'astrattismo invece è la caratteristica principale con la quale viene rappresentata la tempesta e tramite questa maniera primitiva di realizzarla, viene facilmente indicata la potenza e la sconsiderata velocità con la quale i fenomeni accadono. - TEMPESTA DI NEVE: BATTELLO A VAPORE AL LAGO DI HABOUR'S MOUNTH - PIOGGIA, VAPORE E VELOCITA' Il dipinto, seppur in maniera molto confusionaria, rappresenta un battello a vapore che attraversa una tempesta. Il vortice di colori si ricongiunge proprio nel punto in cui si trova la nave e, analogamente, dove i colori si uniscono e si mescolano. Il cielo diventa tutt'uno con il mare: non ci sono spazi divisi, ne sagome che evidenziano la presenza solitaria di qualcosa (se non del battello). Tutto acquisisce lo stesso colore e lo stesso movimento. La pennellate non evidenziano le figure, ma hanno il compito di suscitare un sentimento. In quest'opera spicca la forza della natura, la forza del vento, infermabili, in contrasto con l'angoscia di chi tenta di percorrere quel viaggio provando a salvarsi. L'opera è dotata di gran dinamismo, mentre il battello funge da centro. Esso è l'unico elemento urbano presente nel dipinto e come nelle altre opere non è in grado di contrastare la forza della natura. Il dipinto si presenta in un solo piano, dove gli elementi che ne fanno parte sono confusi e uniti tra di loro. E' presente un treno che viaggia in direzione e verso l'osservatore. In quest'opera ci sono molti elementi che ricordano la presenza dell'uomo: il ponto principale sulla destra e quello sulla sinistra, il treno e delle abitazioni. Il cielo potrebbe sembrare sereno, ma l'azzurro viene coperto dalle nuvole che indicano l'arrivo imminente della pioggia. Il fenomeno atmosferico è già in atto: infatti si notano diagonalmente delle linee che indicano l'abbattersi della pioggia. La luce è un elemento fondamentale dell'opera: indica la profondità e viene utilizzata come impulso che mette in moto. La posizione dell'osservatore non è molto chiara, quindi è difficile contestualizzare . l'ambiente nella quale avviene la scena. In quest'opera si introduce la modernità del periodo e grazie all'astrattismo dell'autore si riesce a percepire la velocità e il movimento di questi nuovi mezzi ∙4) Corot LA FONTANA CORO L'opera si divide in due piani: il primo dove viene rappresentata la fontana a Villa Medici a Roma, e come secondo lo sfondo con la maestosa Basilica di San Pietro e la sua cupola. Tutta la scena è incorniciata da due alberi che delimitano la visuale dalla vista e del cielo. Per un gioco di simmetrie e prospettive, la cupola della basilica finisce dietro a quella principale. Così parte della fontana, con lo zampillo d'acqua, sostituiscono la cupola con la lanterna: La profondità della scena viene persa poiché tutti gli elementi, lontani o vicini, sono rappresentati alla stessa altezza. Le strutture son definite e ben dettagliate, i colori opachi e delicati. In quest'opera vengono messe a confronto due architetture: quella semplice della fontana in parallelo a quella solenne della basilica. Nell'opera non sono stati rappresentate figure umane e la scena trasmette silenzio, pace interiore e tranquillità (come se l'antico portasse serenità al moderno) - LA CATTEDRALE DI CHARTRES Il dipinto si divide in più piani: nel primo, situato sulla destra è presente un cumulo di terra e delle pietre antistanti. Sullo sfondo la cattedrale si inalza occupando gran parte dello spazio rimanente, lasciando dello spazio alla rappresentazione del cielo nuvoloso. La cattedrale è stata raffigurata utilizzando prevalentemente il colore bianco il colore grigio, esaltati dal cielo azzurro nuvoloso e da altri elementi di toni totalmente diversi come la montagnetta di terra. I dettagli dello stile gotico sono molto evidenziati e lo si può notare sia dalla minuziosità con la quale sono state rappresentate le torri, sia per quanto riguarda il rosone. Il quadro presenta una specie di simmetria poiché il cumulo di terra richiama la cattedrale stessa, i due alberi ricordano le due torri e le pietre ai piedi della collinetta rappresentano idealmente le case. Il complesso è molto luminoso. In quest'opera la natura e l'artificiale si collegano prendendo uno le sembianze dell'altro. Inizialmente la rappresentazione poterebbe sembrare sconnessa, ma la scena viene riproposta due volte: nella prima si utilizzano materiali naturali, mentre nella seconda l'autore si serve di oggetti edificati dall'uomo. 5) Monet LA STAZIONE DI SAINT-LAZARE+ 2016 L'autore decide di proporre una situazione paesaggistica nel quale naturale e artificiale si uniscono. Tutti gli elementi assumono un colore diverso: le infrastrutture ad esempio vengono rappresentate con la scala dei grigi, le locomotive hanno colori molto scuri, come il nero, e gli edifici vengono rappresentati con colori più caldi, come ad indicare la presenza della luce del sole. I fumi dei trasporti e l'aria della città vengono rappresentate con diverse tonalità di azzurro. - I PAPAVERI Per quanto riguarda la rappresentazione delle persone, essa non è precisa: vengono rappresentate con veloci pennellate che rendono poco dettagliate e molto confuse. La luce solare si può notare anche all'interno delle infrastrutture: essa infatti penetra dalla vetrata superiore e permette la visione degli spazi interni. Nonostante la rappresentazione sembri molto statica, si capisce che c'è dal movimento soprattutto da come viene rappresentato il fumo, con le sue sfumature e che vengono attenuate dalla luce del sole. Un vastissimo capo di papaveri fa da sfondo a quattro persone che passeggiano spensierate in campagna, totalmente immerse dalla natura. Le principali figure sono una donna, la moglie Camille, e un bambino, il figlio Jean. Esse si avvicinano a noi, ma i loro volti non sono ben dettagliati e quindi non riconoscibili. Più indietro, sulla sinistra, una altra coppia imita la precedente, creando una continuità all'interno dell'opera. I colori che vengono utilizzati dall'autore per rappresentare il campo sono prettamente il verde, ma ci sono delle sfumature anche di ocra. I papaveri sono rappresentai, come se ci fosse un ombra, con diverse tonalità di rosso. I papaveri però non sono l'unica tipologia di fiori presenti nella rappresentazione. In basso a sinistra e più verso l'orizzonte si possono notare dei piccoli fiori gialli. I fiori fungono da grande elemento prospettico: in base alla loro grandezza si riesce a capire la vicinanza, o la lontana, degli elementi. La serenità della situazione viene facilmente trasmessa all'osservatore: sembra che il vento muova i papaveri e questo senso di dinamismo leggero e delicato traspare molta tranquillità. Dal vestiario delle figure se ne può capire lo status sociale: probabilmente persone apparteniti all'alta borghesia sono in vacanza in campagna. Essi si sono allontanati dall'urbanizzazione e dalla società. CATTEDRALE DI ROUEN: PRIMO SOLE E MEZZOGIORNO L'autore decide di creare una serie di quadri nella quale rappresenta più volte la stessa cattedrale, ma in diversi momenti della giornata. La cattedrale al primo sole si presenta molto chiara, non ha ore scure e presenta una luce primaverile IMPRESSIONE: SOLE NASCENTE L'opera rappresenta il porto di Le Havre all'alba. Sono rappresentate molte imbarcazioni, due delle quali si stanno partendo alla partenza, mentre le restanti sono ancora attraccate al molo. La tecnica utilizzata riprende vagamente quella utilizzata da Turner, von veloci pennellate sconnesse tra di loro nel singolo, ma che si uniscono per creare un unica rappresentazione. I colori più scuri e freddi sono stati utilizzati per riprodurre l'acqua e le imbarcazioni, mentre vaie tonalità di giallo e arancione sono state utilizzate per rappresentare il sole e il il suo riflesso nell'acqua. L'unione di pennellati di calori tenui, alternate con altre dai colori più cupi donano all'opera grande movimento. A sinistra gli alberi delle navi si mescolano ai camini delle ciminiere, e, allo stesso modo, a destra si nota la presenza di altri elementi, che si uniscono tra di loro e vengono nascosti dalla nebbia mattutina. Il sole è posizionato centralmente nella raffigurazione. Fornisce ai pescatori la luce necessaria per partire, ma fornirà anche quella necessaria per il ritorno a casa.